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Editorial, librería, acervo,espacio de exhibición, dedicado a promover y difundir el arte y la arquitectura local a través de la crítica y publicación
¡Novedad!
Permanencias y Arquitectura Urbana
José Ignacio Linazasoro
El día de hoy estamos muy contentos de compartirles la reciente publicación de Artlecta de nuestra colección Artlecta Tesis, siendo la segunda publicación de la colección, “Permanencias y Arquitectura Urbana” de José Ignacio Linazasoro, con prólogos de Julio Caro Baroja y Victoriano Sainz. En donde comprendemos que la ciudad no es sólo el escenario donde ocurre la arquitectura, es también su memoria, es un cuerpo que recuerda y no como una suma de edificios dentro de lo ambiguo, sino como un tejido de huellas, de vacíos y de formas que permanecen mientras otras desaparecen.
En Permanencias en la arquitectura urbana, José Ignacio Linazasoro nos invita a mirar la arquitectura desde la condición temporal, donde el proyecto no comienza desde cero, sino desde un trabajo de interpretación de lo ya existente. Las permanencias no son aquí restos intocables ni gestos nostálgicos. Son estructuras vivas, capaces de transformarse y de admitir nuevas lecturas. Calles, trazas, fragmentos y tipologías aparecen como interlocutores del presente, estableciendo un diálogo silencioso pero constante entre la historia y la intervención contemporánea.
Nos gustaría felicitar a nuestro querido amigo José Ignacio Linazasoro ya que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid lo ha reconocido en la edición 2025 de los Premios COAM (San Sebastián, 1947) con el Premio Luis Gutiérrez Soto, una categoría especial que se entrega para premiar una trayectoria profesional con más de 30 años de ejercicio profesional de un arquitecto.
Textos: José Ignacio Linazasoro
Editorial: Artlecta
Páginas: 353
Tamaño: 210 x 140 mm
Peso: 0.3 kg
#artlectalinazasoro #artlectacarobaroja #artlectasainz #linazasoro #edicionesartlecta
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Permanencias y Arquitectura Urbana
José Ignacio Linazasoro
El día de hoy estamos muy contentos de compartirles la reciente publicación de Artlecta de nuestra colección Artlecta Tesis, siendo la segunda publicación de la colección, “Permanencias y Arquitectura Urbana” de José Ignacio Linazasoro, con prólogos de Julio Caro Baroja y Victoriano Sainz. En donde comprendemos que la ciudad no es sólo el escenario donde ocurre la arquitectura, es también su memoria, es un cuerpo que recuerda y no como una suma de edificios dentro de lo ambiguo, sino como un tejido de huellas, de vacíos y de formas que permanecen mientras otras desaparecen.
En Permanencias en la arquitectura urbana, José Ignacio Linazasoro nos invita a mirar la arquitectura desde la condición temporal, donde el proyecto no comienza desde cero, sino desde un trabajo de interpretación de lo ya existente. Las permanencias no son aquí restos intocables ni gestos nostálgicos. Son estructuras vivas, capaces de transformarse y de admitir nuevas lecturas. Calles, trazas, fragmentos y tipologías aparecen como interlocutores del presente, estableciendo un diálogo silencioso pero constante entre la historia y la intervención contemporánea.
Nos gustaría felicitar a nuestro querido amigo José Ignacio Linazasoro ya que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid lo ha reconocido en la edición 2025 de los Premios COAM (San Sebastián, 1947) con el Premio Luis Gutiérrez Soto, una categoría especial que se entrega para premiar una trayectoria profesional con más de 30 años de ejercicio profesional de un arquitecto.
Textos: José Ignacio Linazasoro
Editorial: Artlecta
Páginas: 353
Tamaño: 210 x 140 mm
Peso: 0.3 kg
#artlectalinazasoro #artlectacarobaroja #artlectasainz #linazasoro #edicionesartlecta
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Permanencias y Arquitectura Urbana
José Ignacio Linazasoro
El día de hoy estamos muy contentos de compartirles la reciente publicación de Artlecta de nuestra colección Artlecta Tesis, siendo la segunda publicación de la colección, “Permanencias y Arquitectura Urbana” de José Ignacio Linazasoro, con prólogos de Julio Caro Baroja y Victoriano Sainz. En donde comprendemos que la ciudad no es sólo el escenario donde ocurre la arquitectura, es también su memoria, es un cuerpo que recuerda y no como una suma de edificios dentro de lo ambiguo, sino como un tejido de huellas, de vacíos y de formas que permanecen mientras otras desaparecen.
En Permanencias en la arquitectura urbana, José Ignacio Linazasoro nos invita a mirar la arquitectura desde la condición temporal, donde el proyecto no comienza desde cero, sino desde un trabajo de interpretación de lo ya existente. Las permanencias no son aquí restos intocables ni gestos nostálgicos. Son estructuras vivas, capaces de transformarse y de admitir nuevas lecturas. Calles, trazas, fragmentos y tipologías aparecen como interlocutores del presente, estableciendo un diálogo silencioso pero constante entre la historia y la intervención contemporánea.
Nos gustaría felicitar a nuestro querido amigo José Ignacio Linazasoro ya que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid lo ha reconocido en la edición 2025 de los Premios COAM (San Sebastián, 1947) con el Premio Luis Gutiérrez Soto, una categoría especial que se entrega para premiar una trayectoria profesional con más de 30 años de ejercicio profesional de un arquitecto.
Textos: José Ignacio Linazasoro
Editorial: Artlecta
Páginas: 353
Tamaño: 210 x 140 mm
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Permanencias y Arquitectura Urbana
José Ignacio Linazasoro
El día de hoy estamos muy contentos de compartirles la reciente publicación de Artlecta de nuestra colección Artlecta Tesis, siendo la segunda publicación de la colección, “Permanencias y Arquitectura Urbana” de José Ignacio Linazasoro, con prólogos de Julio Caro Baroja y Victoriano Sainz. En donde comprendemos que la ciudad no es sólo el escenario donde ocurre la arquitectura, es también su memoria, es un cuerpo que recuerda y no como una suma de edificios dentro de lo ambiguo, sino como un tejido de huellas, de vacíos y de formas que permanecen mientras otras desaparecen.
En Permanencias en la arquitectura urbana, José Ignacio Linazasoro nos invita a mirar la arquitectura desde la condición temporal, donde el proyecto no comienza desde cero, sino desde un trabajo de interpretación de lo ya existente. Las permanencias no son aquí restos intocables ni gestos nostálgicos. Son estructuras vivas, capaces de transformarse y de admitir nuevas lecturas. Calles, trazas, fragmentos y tipologías aparecen como interlocutores del presente, estableciendo un diálogo silencioso pero constante entre la historia y la intervención contemporánea.
Nos gustaría felicitar a nuestro querido amigo José Ignacio Linazasoro ya que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid lo ha reconocido en la edición 2025 de los Premios COAM (San Sebastián, 1947) con el Premio Luis Gutiérrez Soto, una categoría especial que se entrega para premiar una trayectoria profesional con más de 30 años de ejercicio profesional de un arquitecto.
Textos: José Ignacio Linazasoro
Editorial: Artlecta
Páginas: 353
Tamaño: 210 x 140 mm
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#artlectalinazasoro #artlectacarobaroja #artlectasainz #linazasoro #edicionesartlecta
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José Ignacio Linazasoro
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En Permanencias en la arquitectura urbana, José Ignacio Linazasoro nos invita a mirar la arquitectura desde la condición temporal, donde el proyecto no comienza desde cero, sino desde un trabajo de interpretación de lo ya existente. Las permanencias no son aquí restos intocables ni gestos nostálgicos. Son estructuras vivas, capaces de transformarse y de admitir nuevas lecturas. Calles, trazas, fragmentos y tipologías aparecen como interlocutores del presente, estableciendo un diálogo silencioso pero constante entre la historia y la intervención contemporánea.
Nos gustaría felicitar a nuestro querido amigo José Ignacio Linazasoro ya que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid lo ha reconocido en la edición 2025 de los Premios COAM (San Sebastián, 1947) con el Premio Luis Gutiérrez Soto, una categoría especial que se entrega para premiar una trayectoria profesional con más de 30 años de ejercicio profesional de un arquitecto.
Textos: José Ignacio Linazasoro
Editorial: Artlecta
Páginas: 353
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En Permanencias en la arquitectura urbana, José Ignacio Linazasoro nos invita a mirar la arquitectura desde la condición temporal, donde el proyecto no comienza desde cero, sino desde un trabajo de interpretación de lo ya existente. Las permanencias no son aquí restos intocables ni gestos nostálgicos. Son estructuras vivas, capaces de transformarse y de admitir nuevas lecturas. Calles, trazas, fragmentos y tipologías aparecen como interlocutores del presente, estableciendo un diálogo silencioso pero constante entre la historia y la intervención contemporánea.
Nos gustaría felicitar a nuestro querido amigo José Ignacio Linazasoro ya que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid lo ha reconocido en la edición 2025 de los Premios COAM (San Sebastián, 1947) con el Premio Luis Gutiérrez Soto, una categoría especial que se entrega para premiar una trayectoria profesional con más de 30 años de ejercicio profesional de un arquitecto.
Textos: José Ignacio Linazasoro
Editorial: Artlecta
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#artlectalinazasoro #artlectacarobaroja #artlectasainz #linazasoro #edicionesartlecta
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En Permanencias en la arquitectura urbana, José Ignacio Linazasoro nos invita a mirar la arquitectura desde la condición temporal, donde el proyecto no comienza desde cero, sino desde un trabajo de interpretación de lo ya existente. Las permanencias no son aquí restos intocables ni gestos nostálgicos. Son estructuras vivas, capaces de transformarse y de admitir nuevas lecturas. Calles, trazas, fragmentos y tipologías aparecen como interlocutores del presente, estableciendo un diálogo silencioso pero constante entre la historia y la intervención contemporánea.
Nos gustaría felicitar a nuestro querido amigo José Ignacio Linazasoro ya que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid lo ha reconocido en la edición 2025 de los Premios COAM (San Sebastián, 1947) con el Premio Luis Gutiérrez Soto, una categoría especial que se entrega para premiar una trayectoria profesional con más de 30 años de ejercicio profesional de un arquitecto.
Textos: José Ignacio Linazasoro
Editorial: Artlecta
Páginas: 353
Tamaño: 210 x 140 mm
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José Ignacio Linazasoro
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En Permanencias en la arquitectura urbana, José Ignacio Linazasoro nos invita a mirar la arquitectura desde la condición temporal, donde el proyecto no comienza desde cero, sino desde un trabajo de interpretación de lo ya existente. Las permanencias no son aquí restos intocables ni gestos nostálgicos. Son estructuras vivas, capaces de transformarse y de admitir nuevas lecturas. Calles, trazas, fragmentos y tipologías aparecen como interlocutores del presente, estableciendo un diálogo silencioso pero constante entre la historia y la intervención contemporánea.
Nos gustaría felicitar a nuestro querido amigo José Ignacio Linazasoro ya que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid lo ha reconocido en la edición 2025 de los Premios COAM (San Sebastián, 1947) con el Premio Luis Gutiérrez Soto, una categoría especial que se entrega para premiar una trayectoria profesional con más de 30 años de ejercicio profesional de un arquitecto.
Textos: José Ignacio Linazasoro
Editorial: Artlecta
Páginas: 353
Tamaño: 210 x 140 mm
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José Ignacio Linazasoro
El día de hoy estamos muy contentos de compartirles la reciente publicación de Artlecta de nuestra colección Artlecta Tesis, siendo la segunda publicación de la colección, “Permanencias y Arquitectura Urbana” de José Ignacio Linazasoro, con prólogos de Julio Caro Baroja y Victoriano Sainz. En donde comprendemos que la ciudad no es sólo el escenario donde ocurre la arquitectura, es también su memoria, es un cuerpo que recuerda y no como una suma de edificios dentro de lo ambiguo, sino como un tejido de huellas, de vacíos y de formas que permanecen mientras otras desaparecen.
En Permanencias en la arquitectura urbana, José Ignacio Linazasoro nos invita a mirar la arquitectura desde la condición temporal, donde el proyecto no comienza desde cero, sino desde un trabajo de interpretación de lo ya existente. Las permanencias no son aquí restos intocables ni gestos nostálgicos. Son estructuras vivas, capaces de transformarse y de admitir nuevas lecturas. Calles, trazas, fragmentos y tipologías aparecen como interlocutores del presente, estableciendo un diálogo silencioso pero constante entre la historia y la intervención contemporánea.
Nos gustaría felicitar a nuestro querido amigo José Ignacio Linazasoro ya que el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid lo ha reconocido en la edición 2025 de los Premios COAM (San Sebastián, 1947) con el Premio Luis Gutiérrez Soto, una categoría especial que se entrega para premiar una trayectoria profesional con más de 30 años de ejercicio profesional de un arquitecto.
Textos: José Ignacio Linazasoro
Editorial: Artlecta
Páginas: 353
Tamaño: 210 x 140 mm
Peso: 0.3 kg
#artlectalinazasoro #artlectacarobaroja #artlectasainz #linazasoro #edicionesartlecta
Con gran ilusión les participamos la próxima aparición de esta publicación.
Siguiendo el empeño por difundir lo mejor de nuestro patrimonio arquitectónico, deseamos que este esfuerzo venga a llenar un vacío de años atrás.
Sin filtros ni interpretaciones el lector podrá acceder al pensamiento escrito y hablado de Luis Barragán tal y como fue dejando sus huellas.
Confiamos en sumar y abonar al paisaje cultural, honrar su legado, y que se convierta en una herramienta viva.
Los textos completos del maestro mexicano Luis Barragán! Editados por Antonio Riggen Martínez, y publicados en España en coedición con Puente Editores que forman parte de su colección de Monografías.
Este libro es la recopilación más completa hasta la fecha de los apuntes, los escritos, las conferencias, las entrevistas y las cartas que se conservan de Luis Barragán (1902-1988).
El libro recoge toda la producción escrita, desde sus primeros apuntes y cartas de juventud, hasta las diversas entrevistas que le hicieron en su etapa de madurez, antes y después de que se le concediera el Premio Pritzker en 1980, que le dio a conocer internacionalmente.
Leídos en su conjunto, estos textos reunidos aquí —algunos de ellos inéditos hasta la fecha— dan cuenta de las cuestiones que preocupaban al maestro mexicano, tratan de desvelar las raíces de su arquitectura y arrojan algo de luz sobre su misterioso personaje.
El libro todavía no llega a México pero en poco tiempo tendremos algunos ejemplares de esta publicación, puedes escribir al WhatsApp de la librería para que te aparten uno!#artlecta #artlectapuenteeditores #puenteeditores #artlectabarragan #barragan #luisbarragan #artlectariggen #antonioriggen #elcroquis #arquitectura
¡Novedad!
Manifiesto del Jardín Emocional
Arnaud Maurières y Éric Ossart
Con mucha emoción presentamos el día de hoy el “Manifiesto del Jardín Emocional” de Arnaud Maurières y Éric Ossart con prefacio de Gilles Clément. Tras muchos años de practicar jardines de aridez y arquitectura de tierra, haciendo eco del Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz, Ossart y Maurières publicaron el Manifiesto del Jardín Emocional en 2022, que ahora se publica por primera vez en español por Artlecta.
Celebrando el centenario del descubrimiento de la obra de Ferdinand Bac por Luis Barragán, se inaugura el día de hoy la nueva exhibición en nuestro espacio expositivo en Artlecta, “Manifiesto del Jardín Emocional”, les invitamos el día de hoy jueves a las 7:30 en Artlecta a nuestra apertura de exhibición y presentación de libro junto con los autores Arnaud Maurières y Éric Ossart, así como con Gilles Le Scanff y Lorenzo Álvarez.
La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
Imágenes: AA. VV.
Editorial: Artlecta
Páginas: 248
Tamaño: 120 x 195 mm
#manifiestodeljardínemocional #arnaudmaurières #éricossart #edicionesartlecta #artlectamanifiestodeljardínemocional #artlectaedicionesartlecta #artlectaarnaudmaurières #artlectaéricossart
¡Novedad!
Manifiesto del Jardín Emocional
Arnaud Maurières y Éric Ossart
Con mucha emoción presentamos el día de hoy el “Manifiesto del Jardín Emocional” de Arnaud Maurières y Éric Ossart con prefacio de Gilles Clément. Tras muchos años de practicar jardines de aridez y arquitectura de tierra, haciendo eco del Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz, Ossart y Maurières publicaron el Manifiesto del Jardín Emocional en 2022, que ahora se publica por primera vez en español por Artlecta.
Celebrando el centenario del descubrimiento de la obra de Ferdinand Bac por Luis Barragán, se inaugura el día de hoy la nueva exhibición en nuestro espacio expositivo en Artlecta, “Manifiesto del Jardín Emocional”, les invitamos el día de hoy jueves a las 7:30 en Artlecta a nuestra apertura de exhibición y presentación de libro junto con los autores Arnaud Maurières y Éric Ossart, así como con Gilles Le Scanff y Lorenzo Álvarez.
La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
Imágenes: AA. VV.
Editorial: Artlecta
Páginas: 248
Tamaño: 120 x 195 mm
#manifiestodeljardínemocional #arnaudmaurières #éricossart #edicionesartlecta #artlectamanifiestodeljardínemocional #artlectaedicionesartlecta #artlectaarnaudmaurières #artlectaéricossart
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Manifiesto del Jardín Emocional
Arnaud Maurières y Éric Ossart
Con mucha emoción presentamos el día de hoy el “Manifiesto del Jardín Emocional” de Arnaud Maurières y Éric Ossart con prefacio de Gilles Clément. Tras muchos años de practicar jardines de aridez y arquitectura de tierra, haciendo eco del Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz, Ossart y Maurières publicaron el Manifiesto del Jardín Emocional en 2022, que ahora se publica por primera vez en español por Artlecta.
Celebrando el centenario del descubrimiento de la obra de Ferdinand Bac por Luis Barragán, se inaugura el día de hoy la nueva exhibición en nuestro espacio expositivo en Artlecta, “Manifiesto del Jardín Emocional”, les invitamos el día de hoy jueves a las 7:30 en Artlecta a nuestra apertura de exhibición y presentación de libro junto con los autores Arnaud Maurières y Éric Ossart, así como con Gilles Le Scanff y Lorenzo Álvarez.
La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
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Páginas: 248
Tamaño: 120 x 195 mm
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La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
Imágenes: AA. VV.
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Arnaud Maurières y Éric Ossart
Con mucha emoción presentamos el día de hoy el “Manifiesto del Jardín Emocional” de Arnaud Maurières y Éric Ossart con prefacio de Gilles Clément. Tras muchos años de practicar jardines de aridez y arquitectura de tierra, haciendo eco del Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz, Ossart y Maurières publicaron el Manifiesto del Jardín Emocional en 2022, que ahora se publica por primera vez en español por Artlecta.
Celebrando el centenario del descubrimiento de la obra de Ferdinand Bac por Luis Barragán, se inaugura el día de hoy la nueva exhibición en nuestro espacio expositivo en Artlecta, “Manifiesto del Jardín Emocional”, les invitamos el día de hoy jueves a las 7:30 en Artlecta a nuestra apertura de exhibición y presentación de libro junto con los autores Arnaud Maurières y Éric Ossart, así como con Gilles Le Scanff y Lorenzo Álvarez.
La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
Imágenes: AA. VV.
Editorial: Artlecta
Páginas: 248
Tamaño: 120 x 195 mm
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Celebrando el centenario del descubrimiento de la obra de Ferdinand Bac por Luis Barragán, se inaugura el día de hoy la nueva exhibición en nuestro espacio expositivo en Artlecta, “Manifiesto del Jardín Emocional”, les invitamos el día de hoy jueves a las 7:30 en Artlecta a nuestra apertura de exhibición y presentación de libro junto con los autores Arnaud Maurières y Éric Ossart, así como con Gilles Le Scanff y Lorenzo Álvarez.
La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
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Páginas: 248
Tamaño: 120 x 195 mm
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Arnaud Maurières y Éric Ossart
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Celebrando el centenario del descubrimiento de la obra de Ferdinand Bac por Luis Barragán, se inaugura el día de hoy la nueva exhibición en nuestro espacio expositivo en Artlecta, “Manifiesto del Jardín Emocional”, les invitamos el día de hoy jueves a las 7:30 en Artlecta a nuestra apertura de exhibición y presentación de libro junto con los autores Arnaud Maurières y Éric Ossart, así como con Gilles Le Scanff y Lorenzo Álvarez.
La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
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Manifiesto del Jardín Emocional
Arnaud Maurières y Éric Ossart
Con mucha emoción presentamos el día de hoy el “Manifiesto del Jardín Emocional” de Arnaud Maurières y Éric Ossart con prefacio de Gilles Clément. Tras muchos años de practicar jardines de aridez y arquitectura de tierra, haciendo eco del Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz, Ossart y Maurières publicaron el Manifiesto del Jardín Emocional en 2022, que ahora se publica por primera vez en español por Artlecta.
Celebrando el centenario del descubrimiento de la obra de Ferdinand Bac por Luis Barragán, se inaugura el día de hoy la nueva exhibición en nuestro espacio expositivo en Artlecta, “Manifiesto del Jardín Emocional”, les invitamos el día de hoy jueves a las 7:30 en Artlecta a nuestra apertura de exhibición y presentación de libro junto con los autores Arnaud Maurières y Éric Ossart, así como con Gilles Le Scanff y Lorenzo Álvarez.
La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
Imágenes: AA. VV.
Editorial: Artlecta
Páginas: 248
Tamaño: 120 x 195 mm
#manifiestodeljardínemocional #arnaudmaurières #éricossart #edicionesartlecta #artlectamanifiestodeljardínemocional #artlectaedicionesartlecta #artlectaarnaudmaurières #artlectaéricossart
¡Novedad!
Manifiesto del Jardín Emocional
Arnaud Maurières y Éric Ossart
Con mucha emoción presentamos el día de hoy el “Manifiesto del Jardín Emocional” de Arnaud Maurières y Éric Ossart con prefacio de Gilles Clément. Tras muchos años de practicar jardines de aridez y arquitectura de tierra, haciendo eco del Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz, Ossart y Maurières publicaron el Manifiesto del Jardín Emocional en 2022, que ahora se publica por primera vez en español por Artlecta.
Celebrando el centenario del descubrimiento de la obra de Ferdinand Bac por Luis Barragán, se inaugura el día de hoy la nueva exhibición en nuestro espacio expositivo en Artlecta, “Manifiesto del Jardín Emocional”, les invitamos el día de hoy jueves a las 7:30 en Artlecta a nuestra apertura de exhibición y presentación de libro junto con los autores Arnaud Maurières y Éric Ossart, así como con Gilles Le Scanff y Lorenzo Álvarez.
La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
Imágenes: AA. VV.
Editorial: Artlecta
Páginas: 248
Tamaño: 120 x 195 mm
#manifiestodeljardínemocional #arnaudmaurières #éricossart #edicionesartlecta #artlectamanifiestodeljardínemocional #artlectaedicionesartlecta #artlectaarnaudmaurières #artlectaéricossart
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Manifiesto del Jardín Emocional
Arnaud Maurières y Éric Ossart
Con mucha emoción presentamos el día de hoy el “Manifiesto del Jardín Emocional” de Arnaud Maurières y Éric Ossart con prefacio de Gilles Clément. Tras muchos años de practicar jardines de aridez y arquitectura de tierra, haciendo eco del Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz, Ossart y Maurières publicaron el Manifiesto del Jardín Emocional en 2022, que ahora se publica por primera vez en español por Artlecta.
Celebrando el centenario del descubrimiento de la obra de Ferdinand Bac por Luis Barragán, se inaugura el día de hoy la nueva exhibición en nuestro espacio expositivo en Artlecta, “Manifiesto del Jardín Emocional”, les invitamos el día de hoy jueves a las 7:30 en Artlecta a nuestra apertura de exhibición y presentación de libro junto con los autores Arnaud Maurières y Éric Ossart, así como con Gilles Le Scanff y Lorenzo Álvarez.
La publicación, un manifiesto, como su título lo indica, explora las posibilidades de relación entre la naturaleza y el paisaje como proyecto de intervención humana sobre lo ya dado. Los autores abordan tópicos como el papel del arte en los jardines, la presencia y el trabajo del jardinero en sus paisajes y la relación entre relatos que exploran el paisaje natural y nuestro contexto más contemporáneo de acción. Además del manifiesto, se añaden a esta publicación una serie de anexos que retratan a los principales expositores y referentes en el tema, así como el Manifiesto de la Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz.
Fotografía 2: Jardín Botánico de Chapala, San Luis Soyatlán
Textos: Arnaud Maurières, Eric Ossart y Gilles Clément
Imágenes: AA. VV.
Editorial: Artlecta
Páginas: 248
Tamaño: 120 x 195 mm
#manifiestodeljardínemocional #arnaudmaurières #éricossart #edicionesartlecta #artlectamanifiestodeljardínemocional #artlectaedicionesartlecta #artlectaarnaudmaurières #artlectaéricossart
¡Novedad!
Bunker Archaeology
Paul Virilio
Publicado por primera vez en 1975, Bunker Archaeologyde Paul Virilio se ha convertido en un clásico que trasciende los géneros literarios.
Paul recorrió la costa atlántica acompañado por su esposa Suzanne, y su hija, explorando, encontrando lugares, tomando fotografías, escribiendo e investigando tipológicamente los restos de los búnkeres de la Segunda Guerra Mundial. Su enfoque fotográfico y su análisis del espacio militar constituyen una arqueología del futuro.
Conocidas a menudo como el Muro Atlántico, estas estructuras proporcionaron defensa contra las fuerzas aliadas en la Francia ocupada por los alemanes entre 1940 y 1945. Tras el fin de la guerra, las estructuras, difíciles de desmantelar, quedaron en la costa occidental francesa, como testigos del trauma bélico. Luego, con el paso de los años, comenzó a suceder algo inquietante: estas estructuras de protección, por efecto de la gravedad, comenzaron a ser arrastradas mar adentro a medida que la arena bajo ellas giraba y permitía que la marea propiciara el avance gradual del búnker hacia las profundidades del mar, donde muchas de ellas yacen hoy en reposo, como tumbas para la vida marina.
Textos: Paul Virilio y Sophie Virilio
Fotografías: Paul Virilio y Shopie Virilio
Editorial: Spector Books, Leipzig, Éditions du Centre Pompidou
Páginas: 221
Tamaño: 205 x 245 mm
#artlectavirilio #paulvirilio #sophievirilio #spectatorbooks #centrepompidou
¡Novedad!
Bunker Archaeology
Paul Virilio
Publicado por primera vez en 1975, Bunker Archaeologyde Paul Virilio se ha convertido en un clásico que trasciende los géneros literarios.
Paul recorrió la costa atlántica acompañado por su esposa Suzanne, y su hija, explorando, encontrando lugares, tomando fotografías, escribiendo e investigando tipológicamente los restos de los búnkeres de la Segunda Guerra Mundial. Su enfoque fotográfico y su análisis del espacio militar constituyen una arqueología del futuro.
Conocidas a menudo como el Muro Atlántico, estas estructuras proporcionaron defensa contra las fuerzas aliadas en la Francia ocupada por los alemanes entre 1940 y 1945. Tras el fin de la guerra, las estructuras, difíciles de desmantelar, quedaron en la costa occidental francesa, como testigos del trauma bélico. Luego, con el paso de los años, comenzó a suceder algo inquietante: estas estructuras de protección, por efecto de la gravedad, comenzaron a ser arrastradas mar adentro a medida que la arena bajo ellas giraba y permitía que la marea propiciara el avance gradual del búnker hacia las profundidades del mar, donde muchas de ellas yacen hoy en reposo, como tumbas para la vida marina.
Textos: Paul Virilio y Sophie Virilio
Fotografías: Paul Virilio y Shopie Virilio
Editorial: Spector Books, Leipzig, Éditions du Centre Pompidou
Páginas: 221
Tamaño: 205 x 245 mm
#artlectavirilio #paulvirilio #sophievirilio #spectatorbooks #centrepompidou
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Bunker Archaeology
Paul Virilio
Publicado por primera vez en 1975, Bunker Archaeologyde Paul Virilio se ha convertido en un clásico que trasciende los géneros literarios.
Paul recorrió la costa atlántica acompañado por su esposa Suzanne, y su hija, explorando, encontrando lugares, tomando fotografías, escribiendo e investigando tipológicamente los restos de los búnkeres de la Segunda Guerra Mundial. Su enfoque fotográfico y su análisis del espacio militar constituyen una arqueología del futuro.
Conocidas a menudo como el Muro Atlántico, estas estructuras proporcionaron defensa contra las fuerzas aliadas en la Francia ocupada por los alemanes entre 1940 y 1945. Tras el fin de la guerra, las estructuras, difíciles de desmantelar, quedaron en la costa occidental francesa, como testigos del trauma bélico. Luego, con el paso de los años, comenzó a suceder algo inquietante: estas estructuras de protección, por efecto de la gravedad, comenzaron a ser arrastradas mar adentro a medida que la arena bajo ellas giraba y permitía que la marea propiciara el avance gradual del búnker hacia las profundidades del mar, donde muchas de ellas yacen hoy en reposo, como tumbas para la vida marina.
Textos: Paul Virilio y Sophie Virilio
Fotografías: Paul Virilio y Shopie Virilio
Editorial: Spector Books, Leipzig, Éditions du Centre Pompidou
Páginas: 221
Tamaño: 205 x 245 mm
#artlectavirilio #paulvirilio #sophievirilio #spectatorbooks #centrepompidou
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Bunker Archaeology
Paul Virilio
Publicado por primera vez en 1975, Bunker Archaeologyde Paul Virilio se ha convertido en un clásico que trasciende los géneros literarios.
Paul recorrió la costa atlántica acompañado por su esposa Suzanne, y su hija, explorando, encontrando lugares, tomando fotografías, escribiendo e investigando tipológicamente los restos de los búnkeres de la Segunda Guerra Mundial. Su enfoque fotográfico y su análisis del espacio militar constituyen una arqueología del futuro.
Conocidas a menudo como el Muro Atlántico, estas estructuras proporcionaron defensa contra las fuerzas aliadas en la Francia ocupada por los alemanes entre 1940 y 1945. Tras el fin de la guerra, las estructuras, difíciles de desmantelar, quedaron en la costa occidental francesa, como testigos del trauma bélico. Luego, con el paso de los años, comenzó a suceder algo inquietante: estas estructuras de protección, por efecto de la gravedad, comenzaron a ser arrastradas mar adentro a medida que la arena bajo ellas giraba y permitía que la marea propiciara el avance gradual del búnker hacia las profundidades del mar, donde muchas de ellas yacen hoy en reposo, como tumbas para la vida marina.
Textos: Paul Virilio y Sophie Virilio
Fotografías: Paul Virilio y Shopie Virilio
Editorial: Spector Books, Leipzig, Éditions du Centre Pompidou
Páginas: 221
Tamaño: 205 x 245 mm
#artlectavirilio #paulvirilio #sophievirilio #spectatorbooks #centrepompidou
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Bunker Archaeology
Paul Virilio
Publicado por primera vez en 1975, Bunker Archaeologyde Paul Virilio se ha convertido en un clásico que trasciende los géneros literarios.
Paul recorrió la costa atlántica acompañado por su esposa Suzanne, y su hija, explorando, encontrando lugares, tomando fotografías, escribiendo e investigando tipológicamente los restos de los búnkeres de la Segunda Guerra Mundial. Su enfoque fotográfico y su análisis del espacio militar constituyen una arqueología del futuro.
Conocidas a menudo como el Muro Atlántico, estas estructuras proporcionaron defensa contra las fuerzas aliadas en la Francia ocupada por los alemanes entre 1940 y 1945. Tras el fin de la guerra, las estructuras, difíciles de desmantelar, quedaron en la costa occidental francesa, como testigos del trauma bélico. Luego, con el paso de los años, comenzó a suceder algo inquietante: estas estructuras de protección, por efecto de la gravedad, comenzaron a ser arrastradas mar adentro a medida que la arena bajo ellas giraba y permitía que la marea propiciara el avance gradual del búnker hacia las profundidades del mar, donde muchas de ellas yacen hoy en reposo, como tumbas para la vida marina.
Textos: Paul Virilio y Sophie Virilio
Fotografías: Paul Virilio y Shopie Virilio
Editorial: Spector Books, Leipzig, Éditions du Centre Pompidou
Páginas: 221
Tamaño: 205 x 245 mm
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Bunker Archaeology
Paul Virilio
Publicado por primera vez en 1975, Bunker Archaeologyde Paul Virilio se ha convertido en un clásico que trasciende los géneros literarios.
Paul recorrió la costa atlántica acompañado por su esposa Suzanne, y su hija, explorando, encontrando lugares, tomando fotografías, escribiendo e investigando tipológicamente los restos de los búnkeres de la Segunda Guerra Mundial. Su enfoque fotográfico y su análisis del espacio militar constituyen una arqueología del futuro.
Conocidas a menudo como el Muro Atlántico, estas estructuras proporcionaron defensa contra las fuerzas aliadas en la Francia ocupada por los alemanes entre 1940 y 1945. Tras el fin de la guerra, las estructuras, difíciles de desmantelar, quedaron en la costa occidental francesa, como testigos del trauma bélico. Luego, con el paso de los años, comenzó a suceder algo inquietante: estas estructuras de protección, por efecto de la gravedad, comenzaron a ser arrastradas mar adentro a medida que la arena bajo ellas giraba y permitía que la marea propiciara el avance gradual del búnker hacia las profundidades del mar, donde muchas de ellas yacen hoy en reposo, como tumbas para la vida marina.
Textos: Paul Virilio y Sophie Virilio
Fotografías: Paul Virilio y Shopie Virilio
Editorial: Spector Books, Leipzig, Éditions du Centre Pompidou
Páginas: 221
Tamaño: 205 x 245 mm
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Bunker Archaeology
Paul Virilio
Publicado por primera vez en 1975, Bunker Archaeologyde Paul Virilio se ha convertido en un clásico que trasciende los géneros literarios.
Paul recorrió la costa atlántica acompañado por su esposa Suzanne, y su hija, explorando, encontrando lugares, tomando fotografías, escribiendo e investigando tipológicamente los restos de los búnkeres de la Segunda Guerra Mundial. Su enfoque fotográfico y su análisis del espacio militar constituyen una arqueología del futuro.
Conocidas a menudo como el Muro Atlántico, estas estructuras proporcionaron defensa contra las fuerzas aliadas en la Francia ocupada por los alemanes entre 1940 y 1945. Tras el fin de la guerra, las estructuras, difíciles de desmantelar, quedaron en la costa occidental francesa, como testigos del trauma bélico. Luego, con el paso de los años, comenzó a suceder algo inquietante: estas estructuras de protección, por efecto de la gravedad, comenzaron a ser arrastradas mar adentro a medida que la arena bajo ellas giraba y permitía que la marea propiciara el avance gradual del búnker hacia las profundidades del mar, donde muchas de ellas yacen hoy en reposo, como tumbas para la vida marina.
Textos: Paul Virilio y Sophie Virilio
Fotografías: Paul Virilio y Shopie Virilio
Editorial: Spector Books, Leipzig, Éditions du Centre Pompidou
Páginas: 221
Tamaño: 205 x 245 mm
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¡Novedad!
Communal Ecologies:
Conversations with Young Japanese Architects
Communal Ecologies: Conversations with Young Japanese Architects, de Samuel Michaëlsson y Marc Goodwin, se posiciona como un contrapeso a la imagen dominante de la arquitectura japonesa contemporánea. Frente a la estética pulida y etérea que ha marcado la exportación mediática de figuras como SANAA o Fujimoto, este libro dirige la mirada hacia una generación emergente que opera desde otras lógicas: más crudas, más situadas y profundamente vinculadas a lo social y lo ecológico.
A través de una serie de entrevistas, la publicación construye un panorama donde la arquitectura deja de entenderse como objeto para asumirse como proceso. Las voces reunidas comparten una preocupación por la reutilización, la transformación del parque habitacional existente y la construcción de redes comunitarias, en un contexto atravesado por la precariedad económica y la recurrencia de desastres naturales.
Más que documentar una escena, Communal Ecologies propone un desplazamiento en la práctica arquitectónica. El arquitecto deja de ser autor para convertirse en mediador, y la obra en un sistema abierto, capaz de adaptarse a condiciones cambiantes. En ese giro, el libro no solo registra una generación, sino que sugiere nuevas formas de pensar y ejercer la arquitectura.
Textos: Samuel Michaëlsson, Marc Goodwin, Yosuke Tsuga, Shinichi Kawakatsu, Thomas Daniell
Editorial: Arvinius + Orfeus Publishing AB
Páginas: 188
Tamaño: 210 x 270 mm
#artlectamichaëlsson #artlectagoodwin #arvinius #ecologia #arquitectura
¡Novedad!
Communal Ecologies:
Conversations with Young Japanese Architects
Communal Ecologies: Conversations with Young Japanese Architects, de Samuel Michaëlsson y Marc Goodwin, se posiciona como un contrapeso a la imagen dominante de la arquitectura japonesa contemporánea. Frente a la estética pulida y etérea que ha marcado la exportación mediática de figuras como SANAA o Fujimoto, este libro dirige la mirada hacia una generación emergente que opera desde otras lógicas: más crudas, más situadas y profundamente vinculadas a lo social y lo ecológico.
A través de una serie de entrevistas, la publicación construye un panorama donde la arquitectura deja de entenderse como objeto para asumirse como proceso. Las voces reunidas comparten una preocupación por la reutilización, la transformación del parque habitacional existente y la construcción de redes comunitarias, en un contexto atravesado por la precariedad económica y la recurrencia de desastres naturales.
Más que documentar una escena, Communal Ecologies propone un desplazamiento en la práctica arquitectónica. El arquitecto deja de ser autor para convertirse en mediador, y la obra en un sistema abierto, capaz de adaptarse a condiciones cambiantes. En ese giro, el libro no solo registra una generación, sino que sugiere nuevas formas de pensar y ejercer la arquitectura.
Textos: Samuel Michaëlsson, Marc Goodwin, Yosuke Tsuga, Shinichi Kawakatsu, Thomas Daniell
Editorial: Arvinius + Orfeus Publishing AB
Páginas: 188
Tamaño: 210 x 270 mm
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Communal Ecologies:
Conversations with Young Japanese Architects
Communal Ecologies: Conversations with Young Japanese Architects, de Samuel Michaëlsson y Marc Goodwin, se posiciona como un contrapeso a la imagen dominante de la arquitectura japonesa contemporánea. Frente a la estética pulida y etérea que ha marcado la exportación mediática de figuras como SANAA o Fujimoto, este libro dirige la mirada hacia una generación emergente que opera desde otras lógicas: más crudas, más situadas y profundamente vinculadas a lo social y lo ecológico.
A través de una serie de entrevistas, la publicación construye un panorama donde la arquitectura deja de entenderse como objeto para asumirse como proceso. Las voces reunidas comparten una preocupación por la reutilización, la transformación del parque habitacional existente y la construcción de redes comunitarias, en un contexto atravesado por la precariedad económica y la recurrencia de desastres naturales.
Más que documentar una escena, Communal Ecologies propone un desplazamiento en la práctica arquitectónica. El arquitecto deja de ser autor para convertirse en mediador, y la obra en un sistema abierto, capaz de adaptarse a condiciones cambiantes. En ese giro, el libro no solo registra una generación, sino que sugiere nuevas formas de pensar y ejercer la arquitectura.
Textos: Samuel Michaëlsson, Marc Goodwin, Yosuke Tsuga, Shinichi Kawakatsu, Thomas Daniell
Editorial: Arvinius + Orfeus Publishing AB
Páginas: 188
Tamaño: 210 x 270 mm
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Communal Ecologies:
Conversations with Young Japanese Architects
Communal Ecologies: Conversations with Young Japanese Architects, de Samuel Michaëlsson y Marc Goodwin, se posiciona como un contrapeso a la imagen dominante de la arquitectura japonesa contemporánea. Frente a la estética pulida y etérea que ha marcado la exportación mediática de figuras como SANAA o Fujimoto, este libro dirige la mirada hacia una generación emergente que opera desde otras lógicas: más crudas, más situadas y profundamente vinculadas a lo social y lo ecológico.
A través de una serie de entrevistas, la publicación construye un panorama donde la arquitectura deja de entenderse como objeto para asumirse como proceso. Las voces reunidas comparten una preocupación por la reutilización, la transformación del parque habitacional existente y la construcción de redes comunitarias, en un contexto atravesado por la precariedad económica y la recurrencia de desastres naturales.
Más que documentar una escena, Communal Ecologies propone un desplazamiento en la práctica arquitectónica. El arquitecto deja de ser autor para convertirse en mediador, y la obra en un sistema abierto, capaz de adaptarse a condiciones cambiantes. En ese giro, el libro no solo registra una generación, sino que sugiere nuevas formas de pensar y ejercer la arquitectura.
Textos: Samuel Michaëlsson, Marc Goodwin, Yosuke Tsuga, Shinichi Kawakatsu, Thomas Daniell
Editorial: Arvinius + Orfeus Publishing AB
Páginas: 188
Tamaño: 210 x 270 mm
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Communal Ecologies:
Conversations with Young Japanese Architects
Communal Ecologies: Conversations with Young Japanese Architects, de Samuel Michaëlsson y Marc Goodwin, se posiciona como un contrapeso a la imagen dominante de la arquitectura japonesa contemporánea. Frente a la estética pulida y etérea que ha marcado la exportación mediática de figuras como SANAA o Fujimoto, este libro dirige la mirada hacia una generación emergente que opera desde otras lógicas: más crudas, más situadas y profundamente vinculadas a lo social y lo ecológico.
A través de una serie de entrevistas, la publicación construye un panorama donde la arquitectura deja de entenderse como objeto para asumirse como proceso. Las voces reunidas comparten una preocupación por la reutilización, la transformación del parque habitacional existente y la construcción de redes comunitarias, en un contexto atravesado por la precariedad económica y la recurrencia de desastres naturales.
Más que documentar una escena, Communal Ecologies propone un desplazamiento en la práctica arquitectónica. El arquitecto deja de ser autor para convertirse en mediador, y la obra en un sistema abierto, capaz de adaptarse a condiciones cambiantes. En ese giro, el libro no solo registra una generación, sino que sugiere nuevas formas de pensar y ejercer la arquitectura.
Textos: Samuel Michaëlsson, Marc Goodwin, Yosuke Tsuga, Shinichi Kawakatsu, Thomas Daniell
Editorial: Arvinius + Orfeus Publishing AB
Páginas: 188
Tamaño: 210 x 270 mm
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Communal Ecologies:
Conversations with Young Japanese Architects
Communal Ecologies: Conversations with Young Japanese Architects, de Samuel Michaëlsson y Marc Goodwin, se posiciona como un contrapeso a la imagen dominante de la arquitectura japonesa contemporánea. Frente a la estética pulida y etérea que ha marcado la exportación mediática de figuras como SANAA o Fujimoto, este libro dirige la mirada hacia una generación emergente que opera desde otras lógicas: más crudas, más situadas y profundamente vinculadas a lo social y lo ecológico.
A través de una serie de entrevistas, la publicación construye un panorama donde la arquitectura deja de entenderse como objeto para asumirse como proceso. Las voces reunidas comparten una preocupación por la reutilización, la transformación del parque habitacional existente y la construcción de redes comunitarias, en un contexto atravesado por la precariedad económica y la recurrencia de desastres naturales.
Más que documentar una escena, Communal Ecologies propone un desplazamiento en la práctica arquitectónica. El arquitecto deja de ser autor para convertirse en mediador, y la obra en un sistema abierto, capaz de adaptarse a condiciones cambiantes. En ese giro, el libro no solo registra una generación, sino que sugiere nuevas formas de pensar y ejercer la arquitectura.
Textos: Samuel Michaëlsson, Marc Goodwin, Yosuke Tsuga, Shinichi Kawakatsu, Thomas Daniell
Editorial: Arvinius + Orfeus Publishing AB
Páginas: 188
Tamaño: 210 x 270 mm
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Conversations with Young Japanese Architects
Communal Ecologies: Conversations with Young Japanese Architects, de Samuel Michaëlsson y Marc Goodwin, se posiciona como un contrapeso a la imagen dominante de la arquitectura japonesa contemporánea. Frente a la estética pulida y etérea que ha marcado la exportación mediática de figuras como SANAA o Fujimoto, este libro dirige la mirada hacia una generación emergente que opera desde otras lógicas: más crudas, más situadas y profundamente vinculadas a lo social y lo ecológico.
A través de una serie de entrevistas, la publicación construye un panorama donde la arquitectura deja de entenderse como objeto para asumirse como proceso. Las voces reunidas comparten una preocupación por la reutilización, la transformación del parque habitacional existente y la construcción de redes comunitarias, en un contexto atravesado por la precariedad económica y la recurrencia de desastres naturales.
Más que documentar una escena, Communal Ecologies propone un desplazamiento en la práctica arquitectónica. El arquitecto deja de ser autor para convertirse en mediador, y la obra en un sistema abierto, capaz de adaptarse a condiciones cambiantes. En ese giro, el libro no solo registra una generación, sino que sugiere nuevas formas de pensar y ejercer la arquitectura.
Textos: Samuel Michaëlsson, Marc Goodwin, Yosuke Tsuga, Shinichi Kawakatsu, Thomas Daniell
Editorial: Arvinius + Orfeus Publishing AB
Páginas: 188
Tamaño: 210 x 270 mm
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Communal Ecologies:
Conversations with Young Japanese Architects
Communal Ecologies: Conversations with Young Japanese Architects, de Samuel Michaëlsson y Marc Goodwin, se posiciona como un contrapeso a la imagen dominante de la arquitectura japonesa contemporánea. Frente a la estética pulida y etérea que ha marcado la exportación mediática de figuras como SANAA o Fujimoto, este libro dirige la mirada hacia una generación emergente que opera desde otras lógicas: más crudas, más situadas y profundamente vinculadas a lo social y lo ecológico.
A través de una serie de entrevistas, la publicación construye un panorama donde la arquitectura deja de entenderse como objeto para asumirse como proceso. Las voces reunidas comparten una preocupación por la reutilización, la transformación del parque habitacional existente y la construcción de redes comunitarias, en un contexto atravesado por la precariedad económica y la recurrencia de desastres naturales.
Más que documentar una escena, Communal Ecologies propone un desplazamiento en la práctica arquitectónica. El arquitecto deja de ser autor para convertirse en mediador, y la obra en un sistema abierto, capaz de adaptarse a condiciones cambiantes. En ese giro, el libro no solo registra una generación, sino que sugiere nuevas formas de pensar y ejercer la arquitectura.
Textos: Samuel Michaëlsson, Marc Goodwin, Yosuke Tsuga, Shinichi Kawakatsu, Thomas Daniell
Editorial: Arvinius + Orfeus Publishing AB
Páginas: 188
Tamaño: 210 x 270 mm
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¡Novedad!
Labyrinth
4 x through the labyrinth a translation by Sadie Plant
Labyrinth, de Olaf Nicolai y Jan Wenzel, parte de un gesto aparentemente simple: una instalación construida en 1998 con escobas verdes en un parque de París. El libro: Transcripción de cuatro conferencias impartidas en Leipzig, toma ese punto de partida para desplegar un sistema de referencias que crece en múltiples direcciones.
Lejos de fijar una definición, el laberinto aparece aquí como una estructura abierta: mito, herramienta, recorrido y dispositivo cultural. Desde el Minotauro hasta los diagramas de ensamblaje de IKEA, la publicación entrelaza imaginarios dispares para construir un archivo que no se organiza de forma lineal, sino por asociaciones, desvíos y repeticiones. Incluso su propio diseño editorial (con mapas, inserciones y fragmentos) refuerza esta condición: el libro no solo habla del laberinto, sino que lo encarna.
Más que un catálogo o ensayo, Labyrinth funciona como sistema de pensamiento. Un espacio donde la obra de Nicolai se disuelve en una red más amplia de relaciones, y donde el lector no recibe respuestas, sino rutas posibles. En ese desplazamiento constante entre arte, teoría y cultura material, el libro se vuelve, como sugiere Jean-Luc Nancy, profundamente laberíntico: una experiencia que se recorre más de lo que se explica.
Textos: Olaf Nicolai, Jan Wenze
Editorial: Spector Books
Páginas: 319
Tamaño: 130 x 190 mm
#artlectanicolai #artlectawenze #labyrinth #spectorbooks # urbanlife
¡Novedad!
Labyrinth
4 x through the labyrinth a translation by Sadie Plant
Labyrinth, de Olaf Nicolai y Jan Wenzel, parte de un gesto aparentemente simple: una instalación construida en 1998 con escobas verdes en un parque de París. El libro: Transcripción de cuatro conferencias impartidas en Leipzig, toma ese punto de partida para desplegar un sistema de referencias que crece en múltiples direcciones.
Lejos de fijar una definición, el laberinto aparece aquí como una estructura abierta: mito, herramienta, recorrido y dispositivo cultural. Desde el Minotauro hasta los diagramas de ensamblaje de IKEA, la publicación entrelaza imaginarios dispares para construir un archivo que no se organiza de forma lineal, sino por asociaciones, desvíos y repeticiones. Incluso su propio diseño editorial (con mapas, inserciones y fragmentos) refuerza esta condición: el libro no solo habla del laberinto, sino que lo encarna.
Más que un catálogo o ensayo, Labyrinth funciona como sistema de pensamiento. Un espacio donde la obra de Nicolai se disuelve en una red más amplia de relaciones, y donde el lector no recibe respuestas, sino rutas posibles. En ese desplazamiento constante entre arte, teoría y cultura material, el libro se vuelve, como sugiere Jean-Luc Nancy, profundamente laberíntico: una experiencia que se recorre más de lo que se explica.
Textos: Olaf Nicolai, Jan Wenze
Editorial: Spector Books
Páginas: 319
Tamaño: 130 x 190 mm
#artlectanicolai #artlectawenze #labyrinth #spectorbooks # urbanlife
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Labyrinth
4 x through the labyrinth a translation by Sadie Plant
Labyrinth, de Olaf Nicolai y Jan Wenzel, parte de un gesto aparentemente simple: una instalación construida en 1998 con escobas verdes en un parque de París. El libro: Transcripción de cuatro conferencias impartidas en Leipzig, toma ese punto de partida para desplegar un sistema de referencias que crece en múltiples direcciones.
Lejos de fijar una definición, el laberinto aparece aquí como una estructura abierta: mito, herramienta, recorrido y dispositivo cultural. Desde el Minotauro hasta los diagramas de ensamblaje de IKEA, la publicación entrelaza imaginarios dispares para construir un archivo que no se organiza de forma lineal, sino por asociaciones, desvíos y repeticiones. Incluso su propio diseño editorial (con mapas, inserciones y fragmentos) refuerza esta condición: el libro no solo habla del laberinto, sino que lo encarna.
Más que un catálogo o ensayo, Labyrinth funciona como sistema de pensamiento. Un espacio donde la obra de Nicolai se disuelve en una red más amplia de relaciones, y donde el lector no recibe respuestas, sino rutas posibles. En ese desplazamiento constante entre arte, teoría y cultura material, el libro se vuelve, como sugiere Jean-Luc Nancy, profundamente laberíntico: una experiencia que se recorre más de lo que se explica.
Textos: Olaf Nicolai, Jan Wenze
Editorial: Spector Books
Páginas: 319
Tamaño: 130 x 190 mm
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Labyrinth
4 x through the labyrinth a translation by Sadie Plant
Labyrinth, de Olaf Nicolai y Jan Wenzel, parte de un gesto aparentemente simple: una instalación construida en 1998 con escobas verdes en un parque de París. El libro: Transcripción de cuatro conferencias impartidas en Leipzig, toma ese punto de partida para desplegar un sistema de referencias que crece en múltiples direcciones.
Lejos de fijar una definición, el laberinto aparece aquí como una estructura abierta: mito, herramienta, recorrido y dispositivo cultural. Desde el Minotauro hasta los diagramas de ensamblaje de IKEA, la publicación entrelaza imaginarios dispares para construir un archivo que no se organiza de forma lineal, sino por asociaciones, desvíos y repeticiones. Incluso su propio diseño editorial (con mapas, inserciones y fragmentos) refuerza esta condición: el libro no solo habla del laberinto, sino que lo encarna.
Más que un catálogo o ensayo, Labyrinth funciona como sistema de pensamiento. Un espacio donde la obra de Nicolai se disuelve en una red más amplia de relaciones, y donde el lector no recibe respuestas, sino rutas posibles. En ese desplazamiento constante entre arte, teoría y cultura material, el libro se vuelve, como sugiere Jean-Luc Nancy, profundamente laberíntico: una experiencia que se recorre más de lo que se explica.
Textos: Olaf Nicolai, Jan Wenze
Editorial: Spector Books
Páginas: 319
Tamaño: 130 x 190 mm
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Labyrinth
4 x through the labyrinth a translation by Sadie Plant
Labyrinth, de Olaf Nicolai y Jan Wenzel, parte de un gesto aparentemente simple: una instalación construida en 1998 con escobas verdes en un parque de París. El libro: Transcripción de cuatro conferencias impartidas en Leipzig, toma ese punto de partida para desplegar un sistema de referencias que crece en múltiples direcciones.
Lejos de fijar una definición, el laberinto aparece aquí como una estructura abierta: mito, herramienta, recorrido y dispositivo cultural. Desde el Minotauro hasta los diagramas de ensamblaje de IKEA, la publicación entrelaza imaginarios dispares para construir un archivo que no se organiza de forma lineal, sino por asociaciones, desvíos y repeticiones. Incluso su propio diseño editorial (con mapas, inserciones y fragmentos) refuerza esta condición: el libro no solo habla del laberinto, sino que lo encarna.
Más que un catálogo o ensayo, Labyrinth funciona como sistema de pensamiento. Un espacio donde la obra de Nicolai se disuelve en una red más amplia de relaciones, y donde el lector no recibe respuestas, sino rutas posibles. En ese desplazamiento constante entre arte, teoría y cultura material, el libro se vuelve, como sugiere Jean-Luc Nancy, profundamente laberíntico: una experiencia que se recorre más de lo que se explica.
Textos: Olaf Nicolai, Jan Wenze
Editorial: Spector Books
Páginas: 319
Tamaño: 130 x 190 mm
#artlectanicolai #artlectawenze #labyrinth #spectorbooks # urbanlife
¡Novedad!
Labyrinth
4 x through the labyrinth a translation by Sadie Plant
Labyrinth, de Olaf Nicolai y Jan Wenzel, parte de un gesto aparentemente simple: una instalación construida en 1998 con escobas verdes en un parque de París. El libro: Transcripción de cuatro conferencias impartidas en Leipzig, toma ese punto de partida para desplegar un sistema de referencias que crece en múltiples direcciones.
Lejos de fijar una definición, el laberinto aparece aquí como una estructura abierta: mito, herramienta, recorrido y dispositivo cultural. Desde el Minotauro hasta los diagramas de ensamblaje de IKEA, la publicación entrelaza imaginarios dispares para construir un archivo que no se organiza de forma lineal, sino por asociaciones, desvíos y repeticiones. Incluso su propio diseño editorial (con mapas, inserciones y fragmentos) refuerza esta condición: el libro no solo habla del laberinto, sino que lo encarna.
Más que un catálogo o ensayo, Labyrinth funciona como sistema de pensamiento. Un espacio donde la obra de Nicolai se disuelve en una red más amplia de relaciones, y donde el lector no recibe respuestas, sino rutas posibles. En ese desplazamiento constante entre arte, teoría y cultura material, el libro se vuelve, como sugiere Jean-Luc Nancy, profundamente laberíntico: una experiencia que se recorre más de lo que se explica.
Textos: Olaf Nicolai, Jan Wenze
Editorial: Spector Books
Páginas: 319
Tamaño: 130 x 190 mm
#artlectanicolai #artlectawenze #labyrinth #spectorbooks # urbanlife
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Labyrinth
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Labyrinth, de Olaf Nicolai y Jan Wenzel, parte de un gesto aparentemente simple: una instalación construida en 1998 con escobas verdes en un parque de París. El libro: Transcripción de cuatro conferencias impartidas en Leipzig, toma ese punto de partida para desplegar un sistema de referencias que crece en múltiples direcciones.
Lejos de fijar una definición, el laberinto aparece aquí como una estructura abierta: mito, herramienta, recorrido y dispositivo cultural. Desde el Minotauro hasta los diagramas de ensamblaje de IKEA, la publicación entrelaza imaginarios dispares para construir un archivo que no se organiza de forma lineal, sino por asociaciones, desvíos y repeticiones. Incluso su propio diseño editorial (con mapas, inserciones y fragmentos) refuerza esta condición: el libro no solo habla del laberinto, sino que lo encarna.
Más que un catálogo o ensayo, Labyrinth funciona como sistema de pensamiento. Un espacio donde la obra de Nicolai se disuelve en una red más amplia de relaciones, y donde el lector no recibe respuestas, sino rutas posibles. En ese desplazamiento constante entre arte, teoría y cultura material, el libro se vuelve, como sugiere Jean-Luc Nancy, profundamente laberíntico: una experiencia que se recorre más de lo que se explica.
Textos: Olaf Nicolai, Jan Wenze
Editorial: Spector Books
Páginas: 319
Tamaño: 130 x 190 mm
#artlectanicolai #artlectawenze #labyrinth #spectorbooks # urbanlife
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Labyrinth
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Labyrinth, de Olaf Nicolai y Jan Wenzel, parte de un gesto aparentemente simple: una instalación construida en 1998 con escobas verdes en un parque de París. El libro: Transcripción de cuatro conferencias impartidas en Leipzig, toma ese punto de partida para desplegar un sistema de referencias que crece en múltiples direcciones.
Lejos de fijar una definición, el laberinto aparece aquí como una estructura abierta: mito, herramienta, recorrido y dispositivo cultural. Desde el Minotauro hasta los diagramas de ensamblaje de IKEA, la publicación entrelaza imaginarios dispares para construir un archivo que no se organiza de forma lineal, sino por asociaciones, desvíos y repeticiones. Incluso su propio diseño editorial (con mapas, inserciones y fragmentos) refuerza esta condición: el libro no solo habla del laberinto, sino que lo encarna.
Más que un catálogo o ensayo, Labyrinth funciona como sistema de pensamiento. Un espacio donde la obra de Nicolai se disuelve en una red más amplia de relaciones, y donde el lector no recibe respuestas, sino rutas posibles. En ese desplazamiento constante entre arte, teoría y cultura material, el libro se vuelve, como sugiere Jean-Luc Nancy, profundamente laberíntico: una experiencia que se recorre más de lo que se explica.
Textos: Olaf Nicolai, Jan Wenze
Editorial: Spector Books
Páginas: 319
Tamaño: 130 x 190 mm
#artlectanicolai #artlectawenze #labyrinth #spectorbooks # urbanlife
¡Libro raro!
Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
Páginas: 215
Tamaño: 285 x 280 mm
Peso: 1.34 kg
#artlectabonduki #affonsoeduardoreidy #artlectareidy #nabilbonduki #carmenportinho
¡Libro raro!
Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
Páginas: 215
Tamaño: 285 x 280 mm
Peso: 1.34 kg
#artlectabonduki #affonsoeduardoreidy #artlectareidy #nabilbonduki #carmenportinho
¡Libro raro!
Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
Páginas: 215
Tamaño: 285 x 280 mm
Peso: 1.34 kg
#artlectabonduki #affonsoeduardoreidy #artlectareidy #nabilbonduki #carmenportinho
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Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
Páginas: 215
Tamaño: 285 x 280 mm
Peso: 1.34 kg
#artlectabonduki #affonsoeduardoreidy #artlectareidy #nabilbonduki #carmenportinho
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Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
Páginas: 215
Tamaño: 285 x 280 mm
Peso: 1.34 kg
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Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
Páginas: 215
Tamaño: 285 x 280 mm
Peso: 1.34 kg
#artlectabonduki #affonsoeduardoreidy #artlectareidy #nabilbonduki #carmenportinho
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Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
Páginas: 215
Tamaño: 285 x 280 mm
Peso: 1.34 kg
#artlectabonduki #affonsoeduardoreidy #artlectareidy #nabilbonduki #carmenportinho
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Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
Páginas: 215
Tamaño: 285 x 280 mm
Peso: 1.34 kg
#artlectabonduki #affonsoeduardoreidy #artlectareidy #nabilbonduki #carmenportinho
¡Libro raro!
Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
Páginas: 215
Tamaño: 285 x 280 mm
Peso: 1.34 kg
#artlectabonduki #affonsoeduardoreidy #artlectareidy #nabilbonduki #carmenportinho
¡Libro raro!
Affonso Eduardo Reidy
El libro sobre Affonso Eduardo Reidy surge de una investigación amplia sobre la vivienda social y el urbanismo en Brasil durante las décadas de 1930 y 1940, situando su obra dentro de un momento en que la arquitectura asumía un papel activo en la construcción de lo público. Más que una monografía aislada, la publicación forma parte de un esfuerzo mayor por recuperar las trayectorias de quienes impulsaron una modernidad comprometida con lo social.
En este contexto, la figura de Reidy aparece como inevitable: uno de los arquitectos más activos en la producción de vivienda promovida por el Estado. A través de documentos originales, planos y material rescatado, mucho de él disperso o nunca antes recopilado, el libro reconstruye no solo sus proyectos, sino también el espíritu de una época marcada por la creencia en el progreso y en la arquitectura como herramienta de transformación.
El valor de la publicación radica también en su carácter casi arqueológico. Frente a archivos incompletos y materiales perdidos, el trabajo editorial apuesta por la fidelidad a los dibujos originales, revelando con ello tanto el lenguaje del arquitecto como las condiciones en que su obra fue concebida.
Textos: Nabil Bonduki, Carmen Portinho
Editorial: Editorial Blau
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¡Novedad!
Pezo von Ellrichshausen
a+u 25:08. 659
En su número 659, a+u retoma la práctica de Mauricio Pezo y Sofía von Ellrichshausen más de una década después de su primera monografía, proponiendo no solo una actualización de su obra, sino una lectura más profunda de su evolución conceptual. Los veinte proyectos reunidos en esta edición dan cuenta de un desplazamiento claro hacia la intersección entre arquitectura y pintura, donde ambas disciplinas dejan de operar de forma independiente para convertirse en un campo continuo de exploración.
A partir de la idea de la “imagen arquitectónica”, la publicación plantea la arquitectura como una experiencia perceptiva antes que como un objeto fijo. En este marco, las pinturas del estudio no funcionan como representación, sino como extensión de su investigación, reforzando una visión en la que lo construido y lo imaginado se entrelazan.
Las pinturas incluidas en el número refuerzan esta idea, funcionando como una extensión del pensamiento arquitectónico más que como representación. A través de ellas, Pezo von Ellrichshausen construyen una mirada en la que la arquitectura se vuelve simultáneamente conceptual y sensual, precisa y abierta, contenida y expansiva.
Textos: AA. VV.
Editorial: a+u Publishing Co.
Páginas: 167
Tamaño: 220 x 295 mm
#artlectaellrichshausen #artlectapezo #artlectaa+u #architectureandurbanism #pezovonellrichshausen
¡Novedad!
Pezo von Ellrichshausen
a+u 25:08. 659
En su número 659, a+u retoma la práctica de Mauricio Pezo y Sofía von Ellrichshausen más de una década después de su primera monografía, proponiendo no solo una actualización de su obra, sino una lectura más profunda de su evolución conceptual. Los veinte proyectos reunidos en esta edición dan cuenta de un desplazamiento claro hacia la intersección entre arquitectura y pintura, donde ambas disciplinas dejan de operar de forma independiente para convertirse en un campo continuo de exploración.
A partir de la idea de la “imagen arquitectónica”, la publicación plantea la arquitectura como una experiencia perceptiva antes que como un objeto fijo. En este marco, las pinturas del estudio no funcionan como representación, sino como extensión de su investigación, reforzando una visión en la que lo construido y lo imaginado se entrelazan.
Las pinturas incluidas en el número refuerzan esta idea, funcionando como una extensión del pensamiento arquitectónico más que como representación. A través de ellas, Pezo von Ellrichshausen construyen una mirada en la que la arquitectura se vuelve simultáneamente conceptual y sensual, precisa y abierta, contenida y expansiva.
Textos: AA. VV.
Editorial: a+u Publishing Co.
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En su número 659, a+u retoma la práctica de Mauricio Pezo y Sofía von Ellrichshausen más de una década después de su primera monografía, proponiendo no solo una actualización de su obra, sino una lectura más profunda de su evolución conceptual. Los veinte proyectos reunidos en esta edición dan cuenta de un desplazamiento claro hacia la intersección entre arquitectura y pintura, donde ambas disciplinas dejan de operar de forma independiente para convertirse en un campo continuo de exploración.
A partir de la idea de la “imagen arquitectónica”, la publicación plantea la arquitectura como una experiencia perceptiva antes que como un objeto fijo. En este marco, las pinturas del estudio no funcionan como representación, sino como extensión de su investigación, reforzando una visión en la que lo construido y lo imaginado se entrelazan.
Las pinturas incluidas en el número refuerzan esta idea, funcionando como una extensión del pensamiento arquitectónico más que como representación. A través de ellas, Pezo von Ellrichshausen construyen una mirada en la que la arquitectura se vuelve simultáneamente conceptual y sensual, precisa y abierta, contenida y expansiva.
Textos: AA. VV.
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En su número 659, a+u retoma la práctica de Mauricio Pezo y Sofía von Ellrichshausen más de una década después de su primera monografía, proponiendo no solo una actualización de su obra, sino una lectura más profunda de su evolución conceptual. Los veinte proyectos reunidos en esta edición dan cuenta de un desplazamiento claro hacia la intersección entre arquitectura y pintura, donde ambas disciplinas dejan de operar de forma independiente para convertirse en un campo continuo de exploración.
A partir de la idea de la “imagen arquitectónica”, la publicación plantea la arquitectura como una experiencia perceptiva antes que como un objeto fijo. En este marco, las pinturas del estudio no funcionan como representación, sino como extensión de su investigación, reforzando una visión en la que lo construido y lo imaginado se entrelazan.
Las pinturas incluidas en el número refuerzan esta idea, funcionando como una extensión del pensamiento arquitectónico más que como representación. A través de ellas, Pezo von Ellrichshausen construyen una mirada en la que la arquitectura se vuelve simultáneamente conceptual y sensual, precisa y abierta, contenida y expansiva.
Textos: AA. VV.
Editorial: a+u Publishing Co.
Páginas: 167
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A partir de la idea de la “imagen arquitectónica”, la publicación plantea la arquitectura como una experiencia perceptiva antes que como un objeto fijo. En este marco, las pinturas del estudio no funcionan como representación, sino como extensión de su investigación, reforzando una visión en la que lo construido y lo imaginado se entrelazan.
Las pinturas incluidas en el número refuerzan esta idea, funcionando como una extensión del pensamiento arquitectónico más que como representación. A través de ellas, Pezo von Ellrichshausen construyen una mirada en la que la arquitectura se vuelve simultáneamente conceptual y sensual, precisa y abierta, contenida y expansiva.
Textos: AA. VV.
Editorial: a+u Publishing Co.
Páginas: 167
Tamaño: 220 x 295 mm
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Pezo von Ellrichshausen
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En su número 659, a+u retoma la práctica de Mauricio Pezo y Sofía von Ellrichshausen más de una década después de su primera monografía, proponiendo no solo una actualización de su obra, sino una lectura más profunda de su evolución conceptual. Los veinte proyectos reunidos en esta edición dan cuenta de un desplazamiento claro hacia la intersección entre arquitectura y pintura, donde ambas disciplinas dejan de operar de forma independiente para convertirse en un campo continuo de exploración.
A partir de la idea de la “imagen arquitectónica”, la publicación plantea la arquitectura como una experiencia perceptiva antes que como un objeto fijo. En este marco, las pinturas del estudio no funcionan como representación, sino como extensión de su investigación, reforzando una visión en la que lo construido y lo imaginado se entrelazan.
Las pinturas incluidas en el número refuerzan esta idea, funcionando como una extensión del pensamiento arquitectónico más que como representación. A través de ellas, Pezo von Ellrichshausen construyen una mirada en la que la arquitectura se vuelve simultáneamente conceptual y sensual, precisa y abierta, contenida y expansiva.
Textos: AA. VV.
Editorial: a+u Publishing Co.
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A partir de la idea de la “imagen arquitectónica”, la publicación plantea la arquitectura como una experiencia perceptiva antes que como un objeto fijo. En este marco, las pinturas del estudio no funcionan como representación, sino como extensión de su investigación, reforzando una visión en la que lo construido y lo imaginado se entrelazan.
Las pinturas incluidas en el número refuerzan esta idea, funcionando como una extensión del pensamiento arquitectónico más que como representación. A través de ellas, Pezo von Ellrichshausen construyen una mirada en la que la arquitectura se vuelve simultáneamente conceptual y sensual, precisa y abierta, contenida y expansiva.
Textos: AA. VV.
Editorial: a+u Publishing Co.
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En su número 659, a+u retoma la práctica de Mauricio Pezo y Sofía von Ellrichshausen más de una década después de su primera monografía, proponiendo no solo una actualización de su obra, sino una lectura más profunda de su evolución conceptual. Los veinte proyectos reunidos en esta edición dan cuenta de un desplazamiento claro hacia la intersección entre arquitectura y pintura, donde ambas disciplinas dejan de operar de forma independiente para convertirse en un campo continuo de exploración.
A partir de la idea de la “imagen arquitectónica”, la publicación plantea la arquitectura como una experiencia perceptiva antes que como un objeto fijo. En este marco, las pinturas del estudio no funcionan como representación, sino como extensión de su investigación, reforzando una visión en la que lo construido y lo imaginado se entrelazan.
Las pinturas incluidas en el número refuerzan esta idea, funcionando como una extensión del pensamiento arquitectónico más que como representación. A través de ellas, Pezo von Ellrichshausen construyen una mirada en la que la arquitectura se vuelve simultáneamente conceptual y sensual, precisa y abierta, contenida y expansiva.
Textos: AA. VV.
Editorial: a+u Publishing Co.
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En su número 659, a+u retoma la práctica de Mauricio Pezo y Sofía von Ellrichshausen más de una década después de su primera monografía, proponiendo no solo una actualización de su obra, sino una lectura más profunda de su evolución conceptual. Los veinte proyectos reunidos en esta edición dan cuenta de un desplazamiento claro hacia la intersección entre arquitectura y pintura, donde ambas disciplinas dejan de operar de forma independiente para convertirse en un campo continuo de exploración.
A partir de la idea de la “imagen arquitectónica”, la publicación plantea la arquitectura como una experiencia perceptiva antes que como un objeto fijo. En este marco, las pinturas del estudio no funcionan como representación, sino como extensión de su investigación, reforzando una visión en la que lo construido y lo imaginado se entrelazan.
Las pinturas incluidas en el número refuerzan esta idea, funcionando como una extensión del pensamiento arquitectónico más que como representación. A través de ellas, Pezo von Ellrichshausen construyen una mirada en la que la arquitectura se vuelve simultáneamente conceptual y sensual, precisa y abierta, contenida y expansiva.
Textos: AA. VV.
Editorial: a+u Publishing Co.
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Tamaño: 220 x 295 mm
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El Jardín Eterno
De C. Davies, con bellas ilustraciones
En El jardín eterno, Caroline Davies se aleja de una historia convencional de la jardinería para adentrarse en las motivaciones profundas que han llevado al ser humano a modelar la naturaleza más allá de lo utilitario. A través de un recorrido que cruza geografías y épocas de la China imperial a la Inglaterra del siglo XVIII, el libro plantea el jardín como una construcción cultural cargada de memoria, deseo y significado.
Lejos de ser un simple ejercicio estético, el jardín aparece aquí como una evocación persistente del paraíso perdido, una forma de reconciliar al ser humano con su entorno mediante un gesto tanto físico como simbólico. En este sentido, la obra no solo analiza espacios verdes, sino también las ideas, emociones y formas de vida que los hacen posibles.
Las ilustraciones de Azucena Benito acompañan este recorrido como una extensión sensible del texto, revelando la complejidad y riqueza de este universo. Más que un ensayo sobre jardines, este libro propone una reflexión amplia donde paisaje, cultura y biografía terminan por entrelazarse en una misma narrativa.
Textos: Caroline Davies
Ilustraciones: Azucena Benito
Editorial: GerminArq
Páginas: 275
Tamaño: 120 x 225 mm
#artlectadavies #artlectagerminarq #carolinedavies #eljardineterno #GerminArq
¡Novedad!
El Jardín Eterno
De C. Davies, con bellas ilustraciones
En El jardín eterno, Caroline Davies se aleja de una historia convencional de la jardinería para adentrarse en las motivaciones profundas que han llevado al ser humano a modelar la naturaleza más allá de lo utilitario. A través de un recorrido que cruza geografías y épocas de la China imperial a la Inglaterra del siglo XVIII, el libro plantea el jardín como una construcción cultural cargada de memoria, deseo y significado.
Lejos de ser un simple ejercicio estético, el jardín aparece aquí como una evocación persistente del paraíso perdido, una forma de reconciliar al ser humano con su entorno mediante un gesto tanto físico como simbólico. En este sentido, la obra no solo analiza espacios verdes, sino también las ideas, emociones y formas de vida que los hacen posibles.
Las ilustraciones de Azucena Benito acompañan este recorrido como una extensión sensible del texto, revelando la complejidad y riqueza de este universo. Más que un ensayo sobre jardines, este libro propone una reflexión amplia donde paisaje, cultura y biografía terminan por entrelazarse en una misma narrativa.
Textos: Caroline Davies
Ilustraciones: Azucena Benito
Editorial: GerminArq
Páginas: 275
Tamaño: 120 x 225 mm
#artlectadavies #artlectagerminarq #carolinedavies #eljardineterno #GerminArq
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El Jardín Eterno
De C. Davies, con bellas ilustraciones
En El jardín eterno, Caroline Davies se aleja de una historia convencional de la jardinería para adentrarse en las motivaciones profundas que han llevado al ser humano a modelar la naturaleza más allá de lo utilitario. A través de un recorrido que cruza geografías y épocas de la China imperial a la Inglaterra del siglo XVIII, el libro plantea el jardín como una construcción cultural cargada de memoria, deseo y significado.
Lejos de ser un simple ejercicio estético, el jardín aparece aquí como una evocación persistente del paraíso perdido, una forma de reconciliar al ser humano con su entorno mediante un gesto tanto físico como simbólico. En este sentido, la obra no solo analiza espacios verdes, sino también las ideas, emociones y formas de vida que los hacen posibles.
Las ilustraciones de Azucena Benito acompañan este recorrido como una extensión sensible del texto, revelando la complejidad y riqueza de este universo. Más que un ensayo sobre jardines, este libro propone una reflexión amplia donde paisaje, cultura y biografía terminan por entrelazarse en una misma narrativa.
Textos: Caroline Davies
Ilustraciones: Azucena Benito
Editorial: GerminArq
Páginas: 275
Tamaño: 120 x 225 mm
#artlectadavies #artlectagerminarq #carolinedavies #eljardineterno #GerminArq
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El Jardín Eterno
De C. Davies, con bellas ilustraciones
En El jardín eterno, Caroline Davies se aleja de una historia convencional de la jardinería para adentrarse en las motivaciones profundas que han llevado al ser humano a modelar la naturaleza más allá de lo utilitario. A través de un recorrido que cruza geografías y épocas de la China imperial a la Inglaterra del siglo XVIII, el libro plantea el jardín como una construcción cultural cargada de memoria, deseo y significado.
Lejos de ser un simple ejercicio estético, el jardín aparece aquí como una evocación persistente del paraíso perdido, una forma de reconciliar al ser humano con su entorno mediante un gesto tanto físico como simbólico. En este sentido, la obra no solo analiza espacios verdes, sino también las ideas, emociones y formas de vida que los hacen posibles.
Las ilustraciones de Azucena Benito acompañan este recorrido como una extensión sensible del texto, revelando la complejidad y riqueza de este universo. Más que un ensayo sobre jardines, este libro propone una reflexión amplia donde paisaje, cultura y biografía terminan por entrelazarse en una misma narrativa.
Textos: Caroline Davies
Ilustraciones: Azucena Benito
Editorial: GerminArq
Páginas: 275
Tamaño: 120 x 225 mm
#artlectadavies #artlectagerminarq #carolinedavies #eljardineterno #GerminArq
¡Novedad!
El Jardín Eterno
De C. Davies, con bellas ilustraciones
En El jardín eterno, Caroline Davies se aleja de una historia convencional de la jardinería para adentrarse en las motivaciones profundas que han llevado al ser humano a modelar la naturaleza más allá de lo utilitario. A través de un recorrido que cruza geografías y épocas de la China imperial a la Inglaterra del siglo XVIII, el libro plantea el jardín como una construcción cultural cargada de memoria, deseo y significado.
Lejos de ser un simple ejercicio estético, el jardín aparece aquí como una evocación persistente del paraíso perdido, una forma de reconciliar al ser humano con su entorno mediante un gesto tanto físico como simbólico. En este sentido, la obra no solo analiza espacios verdes, sino también las ideas, emociones y formas de vida que los hacen posibles.
Las ilustraciones de Azucena Benito acompañan este recorrido como una extensión sensible del texto, revelando la complejidad y riqueza de este universo. Más que un ensayo sobre jardines, este libro propone una reflexión amplia donde paisaje, cultura y biografía terminan por entrelazarse en una misma narrativa.
Textos: Caroline Davies
Ilustraciones: Azucena Benito
Editorial: GerminArq
Páginas: 275
Tamaño: 120 x 225 mm
#artlectadavies #artlectagerminarq #carolinedavies #eljardineterno #GerminArq
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El Jardín Eterno
De C. Davies, con bellas ilustraciones
En El jardín eterno, Caroline Davies se aleja de una historia convencional de la jardinería para adentrarse en las motivaciones profundas que han llevado al ser humano a modelar la naturaleza más allá de lo utilitario. A través de un recorrido que cruza geografías y épocas de la China imperial a la Inglaterra del siglo XVIII, el libro plantea el jardín como una construcción cultural cargada de memoria, deseo y significado.
Lejos de ser un simple ejercicio estético, el jardín aparece aquí como una evocación persistente del paraíso perdido, una forma de reconciliar al ser humano con su entorno mediante un gesto tanto físico como simbólico. En este sentido, la obra no solo analiza espacios verdes, sino también las ideas, emociones y formas de vida que los hacen posibles.
Las ilustraciones de Azucena Benito acompañan este recorrido como una extensión sensible del texto, revelando la complejidad y riqueza de este universo. Más que un ensayo sobre jardines, este libro propone una reflexión amplia donde paisaje, cultura y biografía terminan por entrelazarse en una misma narrativa.
Textos: Caroline Davies
Ilustraciones: Azucena Benito
Editorial: GerminArq
Páginas: 275
Tamaño: 120 x 225 mm
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El Jardín Eterno
De C. Davies, con bellas ilustraciones
En El jardín eterno, Caroline Davies se aleja de una historia convencional de la jardinería para adentrarse en las motivaciones profundas que han llevado al ser humano a modelar la naturaleza más allá de lo utilitario. A través de un recorrido que cruza geografías y épocas de la China imperial a la Inglaterra del siglo XVIII, el libro plantea el jardín como una construcción cultural cargada de memoria, deseo y significado.
Lejos de ser un simple ejercicio estético, el jardín aparece aquí como una evocación persistente del paraíso perdido, una forma de reconciliar al ser humano con su entorno mediante un gesto tanto físico como simbólico. En este sentido, la obra no solo analiza espacios verdes, sino también las ideas, emociones y formas de vida que los hacen posibles.
Las ilustraciones de Azucena Benito acompañan este recorrido como una extensión sensible del texto, revelando la complejidad y riqueza de este universo. Más que un ensayo sobre jardines, este libro propone una reflexión amplia donde paisaje, cultura y biografía terminan por entrelazarse en una misma narrativa.
Textos: Caroline Davies
Ilustraciones: Azucena Benito
Editorial: GerminArq
Páginas: 275
Tamaño: 120 x 225 mm
#artlectadavies #artlectagerminarq #carolinedavies #eljardineterno #GerminArq
¡Novedad!
Siza
Catálogo de exposición
El libro presenta un recorrido por la obra gráfica de Álvaro Siza, uno de los arquitectos más influyentes de nuestro tiempo, que puede verse en la exposición SIZA hasta el 9 de enero de 2026.
Desde su infancia, Siza ha hecho del dibujo un gesto cotidiano, una práctica inseparable de su manera de mirar y de comprender el entorno. En sus cuadernos, más de quinientos, de tapas negras y llenos de apuntes, figuras y proyectos registra ideas, observaciones y emociones. Cada trazo revela la precisión del técnico y la sensibilidad del artista, mostrando cómo el dibujo se convierte en el origen de la arquitectura.
La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
Textos: Carlos Quintáns Eiras
Editorial: Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. COAM
Páginas: 475
Tamaño: 220 x 300 mm
#artlectasiza #artlectaquintans #COAM #carlosquintans #alvarosiza
¡Novedad!
Siza
Catálogo de exposición
El libro presenta un recorrido por la obra gráfica de Álvaro Siza, uno de los arquitectos más influyentes de nuestro tiempo, que puede verse en la exposición SIZA hasta el 9 de enero de 2026.
Desde su infancia, Siza ha hecho del dibujo un gesto cotidiano, una práctica inseparable de su manera de mirar y de comprender el entorno. En sus cuadernos, más de quinientos, de tapas negras y llenos de apuntes, figuras y proyectos registra ideas, observaciones y emociones. Cada trazo revela la precisión del técnico y la sensibilidad del artista, mostrando cómo el dibujo se convierte en el origen de la arquitectura.
La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
Textos: Carlos Quintáns Eiras
Editorial: Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. COAM
Páginas: 475
Tamaño: 220 x 300 mm
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La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
Textos: Carlos Quintáns Eiras
Editorial: Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. COAM
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El libro presenta un recorrido por la obra gráfica de Álvaro Siza, uno de los arquitectos más influyentes de nuestro tiempo, que puede verse en la exposición SIZA hasta el 9 de enero de 2026.
Desde su infancia, Siza ha hecho del dibujo un gesto cotidiano, una práctica inseparable de su manera de mirar y de comprender el entorno. En sus cuadernos, más de quinientos, de tapas negras y llenos de apuntes, figuras y proyectos registra ideas, observaciones y emociones. Cada trazo revela la precisión del técnico y la sensibilidad del artista, mostrando cómo el dibujo se convierte en el origen de la arquitectura.
La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
Textos: Carlos Quintáns Eiras
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Páginas: 475
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Desde su infancia, Siza ha hecho del dibujo un gesto cotidiano, una práctica inseparable de su manera de mirar y de comprender el entorno. En sus cuadernos, más de quinientos, de tapas negras y llenos de apuntes, figuras y proyectos registra ideas, observaciones y emociones. Cada trazo revela la precisión del técnico y la sensibilidad del artista, mostrando cómo el dibujo se convierte en el origen de la arquitectura.
La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
Textos: Carlos Quintáns Eiras
Editorial: Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. COAM
Páginas: 475
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Siza
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El libro presenta un recorrido por la obra gráfica de Álvaro Siza, uno de los arquitectos más influyentes de nuestro tiempo, que puede verse en la exposición SIZA hasta el 9 de enero de 2026.
Desde su infancia, Siza ha hecho del dibujo un gesto cotidiano, una práctica inseparable de su manera de mirar y de comprender el entorno. En sus cuadernos, más de quinientos, de tapas negras y llenos de apuntes, figuras y proyectos registra ideas, observaciones y emociones. Cada trazo revela la precisión del técnico y la sensibilidad del artista, mostrando cómo el dibujo se convierte en el origen de la arquitectura.
La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
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Desde su infancia, Siza ha hecho del dibujo un gesto cotidiano, una práctica inseparable de su manera de mirar y de comprender el entorno. En sus cuadernos, más de quinientos, de tapas negras y llenos de apuntes, figuras y proyectos registra ideas, observaciones y emociones. Cada trazo revela la precisión del técnico y la sensibilidad del artista, mostrando cómo el dibujo se convierte en el origen de la arquitectura.
La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
Textos: Carlos Quintáns Eiras
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Desde su infancia, Siza ha hecho del dibujo un gesto cotidiano, una práctica inseparable de su manera de mirar y de comprender el entorno. En sus cuadernos, más de quinientos, de tapas negras y llenos de apuntes, figuras y proyectos registra ideas, observaciones y emociones. Cada trazo revela la precisión del técnico y la sensibilidad del artista, mostrando cómo el dibujo se convierte en el origen de la arquitectura.
La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
Textos: Carlos Quintáns Eiras
Editorial: Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. COAM
Páginas: 475
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La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
Textos: Carlos Quintáns Eiras
Editorial: Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. COAM
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Desde su infancia, Siza ha hecho del dibujo un gesto cotidiano, una práctica inseparable de su manera de mirar y de comprender el entorno. En sus cuadernos, más de quinientos, de tapas negras y llenos de apuntes, figuras y proyectos registra ideas, observaciones y emociones. Cada trazo revela la precisión del técnico y la sensibilidad del artista, mostrando cómo el dibujo se convierte en el origen de la arquitectura.
La exposición, comisariada por Carlos Quintáns, tiene como objetivo abordar todos los aspectos creativos de la trayectoria de Siza. Para ello, se recurrió a archivos depositados en la Fundación Serralves, el CCA – Canadian Centre for Architecture, el centro británico Drawing Matter, así como la Fundación Calouste Gulbenkian y el propio estudio del arquitecto. Este trabajo conjunto ha permitido reunir un corpus excepcional que ilustra la amplitud y coherencia de su proceso creativo.
El catálogo, que ha sido realizado en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, la Fundación Ibercaja y la Fundación Gulbenkian y el apoyo de la Embajada de Portugal, se presentará el día 8 de enero en una jornada en la que participarán Manuel Aires Mateus y Carlos Quintáns, comisario de la exposición.
Textos: Carlos Quintáns Eiras
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¡Libro raro!
Gardella
DPA 25
En este número, la revista DPA dedica su editorial a la figura de Ignazio Gardella, uno de los protagonistas más sutiles y consistentes de la arquitectura italiana del siglo XX. El texto propone una lectura cercana y crítica de su trayectoria, situándolo dentro de una cultura arquitectónica que oscila entre tradición y modernidad, precisión técnica y sensibilidad material.
A través de referencias a su paso por distintos contextos, particularmente su vínculo con España y su presencia en Barcelona, se traza un perfil que va más allá de la obra construida, revelando a un arquitecto atento a las continuidades culturales y a las transformaciones silenciosas del oficio.
Gardella escribió poco, pero cuando lo hizo demostró una gran precisión y capacidad analítica. Por ello DPA recomienda vivamente la lectura de su conferencia de 1995, la cual viene publicada en dicha revista. Se trata de un texto lúcido y certero, carente de retórica, en el que el autor no sólo esboza su autorretrato sino que se atreve a delinear una visión panorámica (aunque necesariamente esquemática) de la arquitectura moderna en Italia, de la que subraya, ante todo, dos aspectos característicos: el antidogmatismo y la aspiración a la clasicidad.
Textos: AA. VV.
Editorial: DPA. Departament de Projectes Arquitectònics.
Referencias Fotográficas: Federici Brunetti, Giogio Casali, Giuseppe Pino, Filippo Romano, Stefano Topuntoli
Páginas: 89
Tamaño: 210 x 210 mm
#artlectadpa #artlectagardella #ignaciogardella #departamentdeprojectsarquitectonics #arquitectura
¡Libro raro!
Gardella
DPA 25
En este número, la revista DPA dedica su editorial a la figura de Ignazio Gardella, uno de los protagonistas más sutiles y consistentes de la arquitectura italiana del siglo XX. El texto propone una lectura cercana y crítica de su trayectoria, situándolo dentro de una cultura arquitectónica que oscila entre tradición y modernidad, precisión técnica y sensibilidad material.
A través de referencias a su paso por distintos contextos, particularmente su vínculo con España y su presencia en Barcelona, se traza un perfil que va más allá de la obra construida, revelando a un arquitecto atento a las continuidades culturales y a las transformaciones silenciosas del oficio.
Gardella escribió poco, pero cuando lo hizo demostró una gran precisión y capacidad analítica. Por ello DPA recomienda vivamente la lectura de su conferencia de 1995, la cual viene publicada en dicha revista. Se trata de un texto lúcido y certero, carente de retórica, en el que el autor no sólo esboza su autorretrato sino que se atreve a delinear una visión panorámica (aunque necesariamente esquemática) de la arquitectura moderna en Italia, de la que subraya, ante todo, dos aspectos característicos: el antidogmatismo y la aspiración a la clasicidad.
Textos: AA. VV.
Editorial: DPA. Departament de Projectes Arquitectònics.
Referencias Fotográficas: Federici Brunetti, Giogio Casali, Giuseppe Pino, Filippo Romano, Stefano Topuntoli
Páginas: 89
Tamaño: 210 x 210 mm
#artlectadpa #artlectagardella #ignaciogardella #departamentdeprojectsarquitectonics #arquitectura
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Gardella
DPA 25
En este número, la revista DPA dedica su editorial a la figura de Ignazio Gardella, uno de los protagonistas más sutiles y consistentes de la arquitectura italiana del siglo XX. El texto propone una lectura cercana y crítica de su trayectoria, situándolo dentro de una cultura arquitectónica que oscila entre tradición y modernidad, precisión técnica y sensibilidad material.
A través de referencias a su paso por distintos contextos, particularmente su vínculo con España y su presencia en Barcelona, se traza un perfil que va más allá de la obra construida, revelando a un arquitecto atento a las continuidades culturales y a las transformaciones silenciosas del oficio.
Gardella escribió poco, pero cuando lo hizo demostró una gran precisión y capacidad analítica. Por ello DPA recomienda vivamente la lectura de su conferencia de 1995, la cual viene publicada en dicha revista. Se trata de un texto lúcido y certero, carente de retórica, en el que el autor no sólo esboza su autorretrato sino que se atreve a delinear una visión panorámica (aunque necesariamente esquemática) de la arquitectura moderna en Italia, de la que subraya, ante todo, dos aspectos característicos: el antidogmatismo y la aspiración a la clasicidad.
Textos: AA. VV.
Editorial: DPA. Departament de Projectes Arquitectònics.
Referencias Fotográficas: Federici Brunetti, Giogio Casali, Giuseppe Pino, Filippo Romano, Stefano Topuntoli
Páginas: 89
Tamaño: 210 x 210 mm
#artlectadpa #artlectagardella #ignaciogardella #departamentdeprojectsarquitectonics #arquitectura
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Gardella
DPA 25
En este número, la revista DPA dedica su editorial a la figura de Ignazio Gardella, uno de los protagonistas más sutiles y consistentes de la arquitectura italiana del siglo XX. El texto propone una lectura cercana y crítica de su trayectoria, situándolo dentro de una cultura arquitectónica que oscila entre tradición y modernidad, precisión técnica y sensibilidad material.
A través de referencias a su paso por distintos contextos, particularmente su vínculo con España y su presencia en Barcelona, se traza un perfil que va más allá de la obra construida, revelando a un arquitecto atento a las continuidades culturales y a las transformaciones silenciosas del oficio.
Gardella escribió poco, pero cuando lo hizo demostró una gran precisión y capacidad analítica. Por ello DPA recomienda vivamente la lectura de su conferencia de 1995, la cual viene publicada en dicha revista. Se trata de un texto lúcido y certero, carente de retórica, en el que el autor no sólo esboza su autorretrato sino que se atreve a delinear una visión panorámica (aunque necesariamente esquemática) de la arquitectura moderna en Italia, de la que subraya, ante todo, dos aspectos característicos: el antidogmatismo y la aspiración a la clasicidad.
Textos: AA. VV.
Editorial: DPA. Departament de Projectes Arquitectònics.
Referencias Fotográficas: Federici Brunetti, Giogio Casali, Giuseppe Pino, Filippo Romano, Stefano Topuntoli
Páginas: 89
Tamaño: 210 x 210 mm
#artlectadpa #artlectagardella #ignaciogardella #departamentdeprojectsarquitectonics #arquitectura
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Gardella
DPA 25
En este número, la revista DPA dedica su editorial a la figura de Ignazio Gardella, uno de los protagonistas más sutiles y consistentes de la arquitectura italiana del siglo XX. El texto propone una lectura cercana y crítica de su trayectoria, situándolo dentro de una cultura arquitectónica que oscila entre tradición y modernidad, precisión técnica y sensibilidad material.
A través de referencias a su paso por distintos contextos, particularmente su vínculo con España y su presencia en Barcelona, se traza un perfil que va más allá de la obra construida, revelando a un arquitecto atento a las continuidades culturales y a las transformaciones silenciosas del oficio.
Gardella escribió poco, pero cuando lo hizo demostró una gran precisión y capacidad analítica. Por ello DPA recomienda vivamente la lectura de su conferencia de 1995, la cual viene publicada en dicha revista. Se trata de un texto lúcido y certero, carente de retórica, en el que el autor no sólo esboza su autorretrato sino que se atreve a delinear una visión panorámica (aunque necesariamente esquemática) de la arquitectura moderna en Italia, de la que subraya, ante todo, dos aspectos característicos: el antidogmatismo y la aspiración a la clasicidad.
Textos: AA. VV.
Editorial: DPA. Departament de Projectes Arquitectònics.
Referencias Fotográficas: Federici Brunetti, Giogio Casali, Giuseppe Pino, Filippo Romano, Stefano Topuntoli
Páginas: 89
Tamaño: 210 x 210 mm
#artlectadpa #artlectagardella #ignaciogardella #departamentdeprojectsarquitectonics #arquitectura
¡Libro raro!
Gardella
DPA 25
En este número, la revista DPA dedica su editorial a la figura de Ignazio Gardella, uno de los protagonistas más sutiles y consistentes de la arquitectura italiana del siglo XX. El texto propone una lectura cercana y crítica de su trayectoria, situándolo dentro de una cultura arquitectónica que oscila entre tradición y modernidad, precisión técnica y sensibilidad material.
A través de referencias a su paso por distintos contextos, particularmente su vínculo con España y su presencia en Barcelona, se traza un perfil que va más allá de la obra construida, revelando a un arquitecto atento a las continuidades culturales y a las transformaciones silenciosas del oficio.
Gardella escribió poco, pero cuando lo hizo demostró una gran precisión y capacidad analítica. Por ello DPA recomienda vivamente la lectura de su conferencia de 1995, la cual viene publicada en dicha revista. Se trata de un texto lúcido y certero, carente de retórica, en el que el autor no sólo esboza su autorretrato sino que se atreve a delinear una visión panorámica (aunque necesariamente esquemática) de la arquitectura moderna en Italia, de la que subraya, ante todo, dos aspectos característicos: el antidogmatismo y la aspiración a la clasicidad.
Textos: AA. VV.
Editorial: DPA. Departament de Projectes Arquitectònics.
Referencias Fotográficas: Federici Brunetti, Giogio Casali, Giuseppe Pino, Filippo Romano, Stefano Topuntoli
Páginas: 89
Tamaño: 210 x 210 mm
#artlectadpa #artlectagardella #ignaciogardella #departamentdeprojectsarquitectonics #arquitectura
¡Libro raro!
Gardella
DPA 25
En este número, la revista DPA dedica su editorial a la figura de Ignazio Gardella, uno de los protagonistas más sutiles y consistentes de la arquitectura italiana del siglo XX. El texto propone una lectura cercana y crítica de su trayectoria, situándolo dentro de una cultura arquitectónica que oscila entre tradición y modernidad, precisión técnica y sensibilidad material.
A través de referencias a su paso por distintos contextos, particularmente su vínculo con España y su presencia en Barcelona, se traza un perfil que va más allá de la obra construida, revelando a un arquitecto atento a las continuidades culturales y a las transformaciones silenciosas del oficio.
Gardella escribió poco, pero cuando lo hizo demostró una gran precisión y capacidad analítica. Por ello DPA recomienda vivamente la lectura de su conferencia de 1995, la cual viene publicada en dicha revista. Se trata de un texto lúcido y certero, carente de retórica, en el que el autor no sólo esboza su autorretrato sino que se atreve a delinear una visión panorámica (aunque necesariamente esquemática) de la arquitectura moderna en Italia, de la que subraya, ante todo, dos aspectos característicos: el antidogmatismo y la aspiración a la clasicidad.
Textos: AA. VV.
Editorial: DPA. Departament de Projectes Arquitectònics.
Referencias Fotográficas: Federici Brunetti, Giogio Casali, Giuseppe Pino, Filippo Romano, Stefano Topuntoli
Páginas: 89
Tamaño: 210 x 210 mm
#artlectadpa #artlectagardella #ignaciogardella #departamentdeprojectsarquitectonics #arquitectura
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Gardella
DPA 25
En este número, la revista DPA dedica su editorial a la figura de Ignazio Gardella, uno de los protagonistas más sutiles y consistentes de la arquitectura italiana del siglo XX. El texto propone una lectura cercana y crítica de su trayectoria, situándolo dentro de una cultura arquitectónica que oscila entre tradición y modernidad, precisión técnica y sensibilidad material.
A través de referencias a su paso por distintos contextos, particularmente su vínculo con España y su presencia en Barcelona, se traza un perfil que va más allá de la obra construida, revelando a un arquitecto atento a las continuidades culturales y a las transformaciones silenciosas del oficio.
Gardella escribió poco, pero cuando lo hizo demostró una gran precisión y capacidad analítica. Por ello DPA recomienda vivamente la lectura de su conferencia de 1995, la cual viene publicada en dicha revista. Se trata de un texto lúcido y certero, carente de retórica, en el que el autor no sólo esboza su autorretrato sino que se atreve a delinear una visión panorámica (aunque necesariamente esquemática) de la arquitectura moderna en Italia, de la que subraya, ante todo, dos aspectos característicos: el antidogmatismo y la aspiración a la clasicidad.
Textos: AA. VV.
Editorial: DPA. Departament de Projectes Arquitectònics.
Referencias Fotográficas: Federici Brunetti, Giogio Casali, Giuseppe Pino, Filippo Romano, Stefano Topuntoli
Páginas: 89
Tamaño: 210 x 210 mm
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¡Novedad!
Collapse [p]₀₈ colapso
[patio]
En su octavo número, [patio], una revista con publicaciones trimestrales de arquitectura contemporánea y reflexión, se sitúa en el borde del colapso para abrir una conversación urgente desde lo íntimo. A través de distintas voces en primera persona, la publicación desplaza el discurso arquitectónico hacia un terreno más sensible, donde la práctica se entrelaza con el desgaste emocional, la autoexigencia y las rutinas que, casi sin notarlo, terminan por desbordarse.
Lejos de romantizar el agotamiento, Colapso expone la normalización de una productividad constante que atraviesa tanto a estudiantes como a profesionales, evidenciando sus fisuras en lo cotidiano. En este contexto, el autocuidado aparece como un acto de resistencia y la empatía como una herramienta fundamental para pensar y hacer arquitectura.
Este número se centra en el peso del bienestar mental, del nuestro y de los demás, como arquitectxs, estudiantes o trabajadorxs, o como usuarixs; de los entornos que habitamos y proyectamos; de la empatía como herramienta y de la responsabilidad de tratar espacios que, antes que cualquier otra cosa, sean habitables. Porque la arquitectura cuida, y también hiere.
Textos: Dani Quesada, Álvaro Chico, Natalia Ortiz, Álvaro Menéndez, José Moreno, Álex Pérez
Editorial: ediciones this is [patio]
Páginas: 91
Tamaño: 170 x 240 mm
#artlectapatio #artlectaquesada #edicionesthisispatio #patio #arquitectura
¡Novedad!
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[patio]
En su octavo número, [patio], una revista con publicaciones trimestrales de arquitectura contemporánea y reflexión, se sitúa en el borde del colapso para abrir una conversación urgente desde lo íntimo. A través de distintas voces en primera persona, la publicación desplaza el discurso arquitectónico hacia un terreno más sensible, donde la práctica se entrelaza con el desgaste emocional, la autoexigencia y las rutinas que, casi sin notarlo, terminan por desbordarse.
Lejos de romantizar el agotamiento, Colapso expone la normalización de una productividad constante que atraviesa tanto a estudiantes como a profesionales, evidenciando sus fisuras en lo cotidiano. En este contexto, el autocuidado aparece como un acto de resistencia y la empatía como una herramienta fundamental para pensar y hacer arquitectura.
Este número se centra en el peso del bienestar mental, del nuestro y de los demás, como arquitectxs, estudiantes o trabajadorxs, o como usuarixs; de los entornos que habitamos y proyectamos; de la empatía como herramienta y de la responsabilidad de tratar espacios que, antes que cualquier otra cosa, sean habitables. Porque la arquitectura cuida, y también hiere.
Textos: Dani Quesada, Álvaro Chico, Natalia Ortiz, Álvaro Menéndez, José Moreno, Álex Pérez
Editorial: ediciones this is [patio]
Páginas: 91
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En su octavo número, [patio], una revista con publicaciones trimestrales de arquitectura contemporánea y reflexión, se sitúa en el borde del colapso para abrir una conversación urgente desde lo íntimo. A través de distintas voces en primera persona, la publicación desplaza el discurso arquitectónico hacia un terreno más sensible, donde la práctica se entrelaza con el desgaste emocional, la autoexigencia y las rutinas que, casi sin notarlo, terminan por desbordarse.
Lejos de romantizar el agotamiento, Colapso expone la normalización de una productividad constante que atraviesa tanto a estudiantes como a profesionales, evidenciando sus fisuras en lo cotidiano. En este contexto, el autocuidado aparece como un acto de resistencia y la empatía como una herramienta fundamental para pensar y hacer arquitectura.
Este número se centra en el peso del bienestar mental, del nuestro y de los demás, como arquitectxs, estudiantes o trabajadorxs, o como usuarixs; de los entornos que habitamos y proyectamos; de la empatía como herramienta y de la responsabilidad de tratar espacios que, antes que cualquier otra cosa, sean habitables. Porque la arquitectura cuida, y también hiere.
Textos: Dani Quesada, Álvaro Chico, Natalia Ortiz, Álvaro Menéndez, José Moreno, Álex Pérez
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Páginas: 91
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Lejos de romantizar el agotamiento, Colapso expone la normalización de una productividad constante que atraviesa tanto a estudiantes como a profesionales, evidenciando sus fisuras en lo cotidiano. En este contexto, el autocuidado aparece como un acto de resistencia y la empatía como una herramienta fundamental para pensar y hacer arquitectura.
Este número se centra en el peso del bienestar mental, del nuestro y de los demás, como arquitectxs, estudiantes o trabajadorxs, o como usuarixs; de los entornos que habitamos y proyectamos; de la empatía como herramienta y de la responsabilidad de tratar espacios que, antes que cualquier otra cosa, sean habitables. Porque la arquitectura cuida, y también hiere.
Textos: Dani Quesada, Álvaro Chico, Natalia Ortiz, Álvaro Menéndez, José Moreno, Álex Pérez
Editorial: ediciones this is [patio]
Páginas: 91
Tamaño: 170 x 240 mm
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Lejos de romantizar el agotamiento, Colapso expone la normalización de una productividad constante que atraviesa tanto a estudiantes como a profesionales, evidenciando sus fisuras en lo cotidiano. En este contexto, el autocuidado aparece como un acto de resistencia y la empatía como una herramienta fundamental para pensar y hacer arquitectura.
Este número se centra en el peso del bienestar mental, del nuestro y de los demás, como arquitectxs, estudiantes o trabajadorxs, o como usuarixs; de los entornos que habitamos y proyectamos; de la empatía como herramienta y de la responsabilidad de tratar espacios que, antes que cualquier otra cosa, sean habitables. Porque la arquitectura cuida, y también hiere.
Textos: Dani Quesada, Álvaro Chico, Natalia Ortiz, Álvaro Menéndez, José Moreno, Álex Pérez
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