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オリヴェル・ラシェ（監督／脚本）× カンディング・レイ（音楽）× セルジ・ロペス／ブルーノ・ヌニェス・アルホナ／ステファニア・ガッダら（出演）によるロードムービー “ Sirāt／シラート ” を観てきた。

なんたる展開！！！

物語を追いかけているはずの脳みそを、延々と別の方向へ揺さぶられ続けられる。
そして気がつくのです。
自分はストーリーを観ていたのではなく、“生と死”のあいだにある細い道──シラートを歩かされていたのだと。 ( 連れてこられている・・・)
しかもBGMは爆音テクノ。

全てを手放した者だけが先へ進めるなんて、皮肉にもほどがある！！！

後半はさらに凄まじい・・・
見たくないものをこれでもかと見せつけられるのに、なぜか目を逸らせない。
その居心地の悪さが、いつの間にか不思議な快楽へと変わっていく。

賛否は間違いなく真っ二つに割れるでしょうね〜 僕は大傑作だと思います。

何も考えず、観に行くのではなくただ体験しに行ってください。

@ 新宿ピカデリー

I went to see the road movie “Sirât” directed and written by Oliver Laxe, with music by Kangding Ray, starring Sergi López, Bruno Núñez Arjona, Stefania Gadda, and others.

What an unbelievable ride!!!

The film keeps pulling your brain away from the story you think you're following, shaking it in entirely different directions again and again.

And then you realize something.

You weren't watching a story at all.
You were being made to walk Sirât itself—the narrow path between life and death.

And the soundtrack?
Blasting techno at full volume.

The idea that only those who let go of everything can move forward is almost absurdly cruel!!!

The second half becomes even more intense...

It forces you to look at things you don't want to see, over and over again, yet somehow you can't look away.
Before you know it, that discomfort transforms into a strange kind of pleasure.

I'm sure audiences will be completely divided on this one.
Personally, I think it's a masterpiece.

Don't go in expecting to think your way through it.
Just experience it.

@ Shinjuku Piccadilly

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オリヴェル・ラシェ（監督／脚本）× カンディング・レイ（音楽）× セルジ・ロペス／ブルーノ・ヌニェス・アルホナ／ステファニア・ガッダら（出演）によるロードムービー “ Sirāt／シラート ” を観てきた。

なんたる展開！！！

物語を追いかけているはずの脳みそを、延々と別の方向へ揺さぶられ続けられる。
そして気がつくのです。
自分はストーリーを観ていたのではなく、“生と死”のあいだにある細い道──シラートを歩かされていたのだと。 ( 連れてこられている・・・)
しかもBGMは爆音テクノ。

全てを手放した者だけが先へ進めるなんて、皮肉にもほどがある！！！

後半はさらに凄まじい・・・
見たくないものをこれでもかと見せつけられるのに、なぜか目を逸らせない。
その居心地の悪さが、いつの間にか不思議な快楽へと変わっていく。

賛否は間違いなく真っ二つに割れるでしょうね〜 僕は大傑作だと思います。

何も考えず、観に行くのではなくただ体験しに行ってください。

@ 新宿ピカデリー

I went to see the road movie “Sirât” directed and written by Oliver Laxe, with music by Kangding Ray, starring Sergi López, Bruno Núñez Arjona, Stefania Gadda, and others.

What an unbelievable ride!!!

The film keeps pulling your brain away from the story you think you're following, shaking it in entirely different directions again and again.

And then you realize something.

You weren't watching a story at all.
You were being made to walk Sirât itself—the narrow path between life and death.

And the soundtrack?
Blasting techno at full volume.

The idea that only those who let go of everything can move forward is almost absurdly cruel!!!

The second half becomes even more intense...

It forces you to look at things you don't want to see, over and over again, yet somehow you can't look away.
Before you know it, that discomfort transforms into a strange kind of pleasure.

I'm sure audiences will be completely divided on this one.
Personally, I think it's a masterpiece.

Don't go in expecting to think your way through it.
Just experience it.

@ Shinjuku Piccadilly

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New Project
HUMAN MADE BANGKOK
ウェブサイトにて写真を公開しました

https://wonder-wall.com/ja/project/413
（ストーリーズのリンクからご覧下さい）

バンコクの中心に位置するショッピングモール内の大型区画。
タイ初出店となる「HUMAN MADE BANGKOK」と「CURRY UP」をひとつの複合空間として構成し、アミューズメントパークのように多面的な体験が展開する「HUMAN MADE LAND」ともいえる場を構想した。

オープンな空間にはキオスクやスタンドを設け、ショップインショップが連続するように複数の場を配置。可変式の什器、ピンクのゾウ、イメージが移り変わるトライビジョンディスプレイを重ねることで、歩くたびに視点が切り替わり、発見が連続する体験を構成している。HUMAN MADEと視線や気配が交差するように配置したCURRY UPでは、インドのモチーフを抽出し、フレッシュでユーモアのある表情へと展開。視線の向きや距離感の異なる座席を設け、食べる場にも異なるシーンを展開している。

買う、食べるという体験に滞在する時間が重なり、HUMAN MADEとCURRY UPそれぞれのカルチャーがひとつの空間で交差する。現代タイの躍動する多様性に呼応する、新たなコミュニティスペースである。

HUMAN MADE BANGKOK
オープン:2026年3月28日
営業時間 : 10:00-21:00
住所 : Level 2, CENTRAL EMBASSY, PLOENCHIT ROAD, PATHUMWAN, BANGKOK

￣￣￣￣￣￣￣￣￣￣￣￣￣
New Project
HUMAN MADE BANGKOK
Photos Now Available on Our Website

https://wonder-wall.com/project/413
（link in stories）

A large-scale site within a shopping mall in central Bangkok.
Comprising HUMAN MADE BANGKOK, the brand’s first store in Thailand, and CURRY UP as a single integrated space, the project envisions a place akin to HUMAN MADE LAND, where multifaceted experiences unfold like an amusement park.

Within the open space, kiosks and stands are introduced, with multiple areas arranged as a sequence of shop-in-shops. Flexible fixtures, a pink elephant, and tri-vision displays with shifting imagery are layered throughout, creating an experience in which perspectives change with each step and discoveries continue to emerge. CURRY UP is arranged with its own distinct presence, while maintaining visual and spatial connections with HUMAN MADE. Indian motifs are abstracted and developed into a fresh and playful expression. Different seating arrangements create a range of distinct scenes within CURRY UP.

As the acts of shopping and dining are layered with time spent in the space, the respective cultures of HUMAN MADE and CURRY UP intersect within a single environment. The result is a new community space that resonates with the dynamic diversity of contemporary Thailand.

HUMAN MADE BANGKOK
Open : March 28 2026
Business hours : 10:00-21:00
Address : Level 2, CENTRAL EMBASSY, PLOENCHIT ROAD, PATHUMWAN, BANGKOK

photo : KOZO TAKAYAMA

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カナダ・ケベック州サグネ出身のロックデュオ “ Angine de Poitrine ”（アンジーヌ・ド・ポワトリーヌ）が僕のツボです。（ビジュアルもツボ！）

二人プログレの変態グルーヴ炸裂のVol. 1（2024年）／Vol. II（2026年）二枚のミニアルバムがリリースされています。聴いてみてください。

The rock duo “Angine de Poitrine” from Saguenay, Quebec, Canada, is totally my thing. (And their visual aesthetic is right up my alley too!)

Their progressive-rock freak groove, unleashed by just two musicians, explodes across the albums “Vol. 1” (2024) and “Vol. II” (2026).

Both albums have been released—give them a listen.

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カナダ・ケベック州サグネ出身のロックデュオ “ Angine de Poitrine ”（アンジーヌ・ド・ポワトリーヌ）が僕のツボです。（ビジュアルもツボ！）

二人プログレの変態グルーヴ炸裂のVol. 1（2024年）／Vol. II（2026年）二枚のミニアルバムがリリースされています。聴いてみてください。

The rock duo “Angine de Poitrine” from Saguenay, Quebec, Canada, is totally my thing. (And their visual aesthetic is right up my alley too!)

Their progressive-rock freak groove, unleashed by just two musicians, explodes across the albums “Vol. 1” (2024) and “Vol. II” (2026).

Both albums have been released—give them a listen.

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
何かあったらいつでも連絡頂戴！

@ 武蔵野美術大学

I went to see the exhibition by the 15th class of Katayama Seminar (currently Seniors).

It was my first time back at Musashino Art University since the graduation ceremony, and it already felt incredibly nostalgic...

Although the students are now spread across various seminars, each of them is steadily moving toward the direction they aspire to pursue.

I hope they make the most of their final year and leave no regrets.

Thank you all for inviting me.

If anything comes up, feel free to reach out anytime!

@ Musashino Art University

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
何かあったらいつでも連絡頂戴！

@ 武蔵野美術大学

I went to see the exhibition by the 15th class of Katayama Seminar (currently Seniors).

It was my first time back at Musashino Art University since the graduation ceremony, and it already felt incredibly nostalgic...

Although the students are now spread across various seminars, each of them is steadily moving toward the direction they aspire to pursue.

I hope they make the most of their final year and leave no regrets.

Thank you all for inviting me.

If anything comes up, feel free to reach out anytime!

@ Musashino Art University

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
何かあったらいつでも連絡頂戴！

@ 武蔵野美術大学

I went to see the exhibition by the 15th class of Katayama Seminar (currently Seniors).

It was my first time back at Musashino Art University since the graduation ceremony, and it already felt incredibly nostalgic...

Although the students are now spread across various seminars, each of them is steadily moving toward the direction they aspire to pursue.

I hope they make the most of their final year and leave no regrets.

Thank you all for inviting me.

If anything comes up, feel free to reach out anytime!

@ Musashino Art University

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
何かあったらいつでも連絡頂戴！

@ 武蔵野美術大学

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It was my first time back at Musashino Art University since the graduation ceremony, and it already felt incredibly nostalgic...

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I hope they make the most of their final year and leave no regrets.

Thank you all for inviting me.

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
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@ 武蔵野美術大学

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
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@ 武蔵野美術大学

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It was my first time back at Musashino Art University since the graduation ceremony, and it already felt incredibly nostalgic...

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
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最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
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Although the students are now spread across various seminars, each of them is steadily moving toward the direction they aspire to pursue.

I hope they make the most of their final year and leave no regrets.

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
何かあったらいつでも連絡頂戴！

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I went to see the exhibition by the 15th class of Katayama Seminar (currently Seniors).

It was my first time back at Musashino Art University since the graduation ceremony, and it already felt incredibly nostalgic...

Although the students are now spread across various seminars, each of them is steadily moving toward the direction they aspire to pursue.

I hope they make the most of their final year and leave no regrets.

Thank you all for inviting me.

If anything comes up, feel free to reach out anytime!

@ Musashino Art University

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
何かあったらいつでも連絡頂戴！

@ 武蔵野美術大学

I went to see the exhibition by the 15th class of Katayama Seminar (currently Seniors).

It was my first time back at Musashino Art University since the graduation ceremony, and it already felt incredibly nostalgic...

Although the students are now spread across various seminars, each of them is steadily moving toward the direction they aspire to pursue.

I hope they make the most of their final year and leave no regrets.

Thank you all for inviting me.

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@ Musashino Art University

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片山ゼミ第15期生 ( 現4年生 )のゼミ展を観にいって来ました。
武蔵野美術大学を訪れたのは卒業式以来でしたが、既にとっても懐かしくて・・・
現在は様々なゼミに分散した15期生ですが、しっかりそれぞれが目指す方向に向かって進んでいました。
最後の一年、後悔の無いよう頑張って欲しいものです。
みんな招待してくれてありがとう。
何かあったらいつでも連絡頂戴！

@ 武蔵野美術大学

I went to see the exhibition by the 15th class of Katayama Seminar (currently Seniors).

It was my first time back at Musashino Art University since the graduation ceremony, and it already felt incredibly nostalgic...

Although the students are now spread across various seminars, each of them is steadily moving toward the direction they aspire to pursue.

I hope they make the most of their final year and leave no regrets.

Thank you all for inviting me.

If anything comes up, feel free to reach out anytime!

@ Musashino Art University

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嵐のような天気が好きなんです。
@ WONDERWALL

There’s something about stormy skies that draws me in.
@ WONDERWALL

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オズグッド・パーキンス（監督）× ニック・レパード（脚本）× タチアナ・マズラニー／ロッシフ・サザーランド／バーケット・タートンらによるホラー映画『Keeper／キーパー』を観てきた。
正直なところ、一体何を見せられているのか最後までよく解らなかった。
理解できなかったし、あまり理解したいとも思えない。
物語のギミックも中途半端で、ホラーとしての怖さもほとんど感じられなかった。

唯一印象に残ったのは、舞台となる別荘のウッドの使い方。空間の雰囲気だけはとても素敵でした。なんのこっちゃ〜

@ 新宿ピカデリー

I watched the horror film “Keeper,” directed by Osgood Perkins, written by Nick Lepard, and starring Tatiana Maslany, Rossif Sutherland, and Birkett Turton.

To be honest, I wasn’t entirely sure what I was being shown from beginning to end.
I couldn’t really understand it, and I wasn’t particularly interested in trying to.
The film’s central gimmick felt half-baked, and I hardly found it scary as a horror movie.

The only thing that left an impression on me was the way wood was used throughout the vacation house where the story takes place. The atmosphere of the space itself was genuinely lovely. What on earth was that all about...?

@ Shinjuku Piccadilly

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オズグッド・パーキンス（監督）× ニック・レパード（脚本）× タチアナ・マズラニー／ロッシフ・サザーランド／バーケット・タートンらによるホラー映画『Keeper／キーパー』を観てきた。
正直なところ、一体何を見せられているのか最後までよく解らなかった。
理解できなかったし、あまり理解したいとも思えない。
物語のギミックも中途半端で、ホラーとしての怖さもほとんど感じられなかった。

唯一印象に残ったのは、舞台となる別荘のウッドの使い方。空間の雰囲気だけはとても素敵でした。なんのこっちゃ〜

@ 新宿ピカデリー

I watched the horror film “Keeper,” directed by Osgood Perkins, written by Nick Lepard, and starring Tatiana Maslany, Rossif Sutherland, and Birkett Turton.

To be honest, I wasn’t entirely sure what I was being shown from beginning to end.
I couldn’t really understand it, and I wasn’t particularly interested in trying to.
The film’s central gimmick felt half-baked, and I hardly found it scary as a horror movie.

The only thing that left an impression on me was the way wood was used throughout the vacation house where the story takes place. The atmosphere of the space itself was genuinely lovely. What on earth was that all about...?

@ Shinjuku Piccadilly

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セリーヌ・ソン（監督／脚本）× ダコタ・ジョンソン／クリス・エヴァンス／ペドロ・パスカルらによるラブストーリー
“ Materialists／マテリアリスト 結婚の条件 ”（A24配給）を観てきた。

セリーヌ・ソンの前作 “ パスト ライブス／再会 ”（2023年）は、静かで余韻の深い恋愛映画だった。一方、本作は驚くほど軽快でコミカル。そしてどこまでもストレートだ。誤解を恐れずに言えば、現代版『プリティ・ウーマン』を思わせるような王道のロマンティック・コメディでもある。

けれど、この作品はただ軽やかなだけではない。

少し気恥ずかしくなるほど真正面から “愛” を問いかけながら、結婚、条件、経済、欲望、理想と現実といったテーマを多面的に描いていく。その構造が実に巧みで、気がつけば登場人物それぞれの立場に自分を重ね、「自分だったらどうするだろう」と考えてしまう。

そして何より、セリーヌ・ソンはとてもセンスがいい。
ほんの少しバランスを崩せば別の映画になってしまいそうな繊細な世界線の上を歩きながら、絶妙な品の良さとユーモアで作品を成立させている。だからこそ、この映画は間違いなく“こっち側”の映画なのだと思う。

劇中にはニューヨークの街や建築、インテリアが美しく映し出され、まるで街を散策しているような気分にもなれた。職業柄、その空間の魅力を味わうだけでも十分に楽しい作品だった。

@ 109シネマズ二子玉川

I watched the romantic drama “Materialists” (distributed by A24), directed and written by Celine Song and starring Dakota Johnson, Chris Evans, and Pedro Pascal.

Celine Song’s previous film, “Past Lives” (2023), was a quiet and deeply resonant love story. This new work, by contrast, is surprisingly brisk, comedic, and remarkably direct. At the risk of oversimplifying it, it even feels like a modern-day “Pretty Woman” — a classic romantic comedy in the best sense.

And yet, the film is far more than just light entertainment.

While asking questions about “love” with almost disarming sincerity, it explores marriage, status, economics, desire, and the tension between ideals and reality from multiple perspectives. The structure is so skillfully crafted that before long, I found myself identifying with each character and wondering what I would do in their place.

Above all, Celine Song has exceptional taste.

Walking a delicate line where even the slightest imbalance could have turned it into a completely different film, she holds everything together through elegance and humor. That is precisely why this film unquestionably belongs on “our side” of cinema.

The streets, architecture, and interiors of New York are beautifully captured throughout the film, making it feel at times as though you are wandering through the city yourself. Given my profession, simply appreciating those spaces was already a pleasure in its own right.

@ 109 Cinemas Futako-Tamagawa

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セリーヌ・ソン（監督／脚本）× ダコタ・ジョンソン／クリス・エヴァンス／ペドロ・パスカルらによるラブストーリー
“ Materialists／マテリアリスト 結婚の条件 ”（A24配給）を観てきた。

セリーヌ・ソンの前作 “ パスト ライブス／再会 ”（2023年）は、静かで余韻の深い恋愛映画だった。一方、本作は驚くほど軽快でコミカル。そしてどこまでもストレートだ。誤解を恐れずに言えば、現代版『プリティ・ウーマン』を思わせるような王道のロマンティック・コメディでもある。

けれど、この作品はただ軽やかなだけではない。

少し気恥ずかしくなるほど真正面から “愛” を問いかけながら、結婚、条件、経済、欲望、理想と現実といったテーマを多面的に描いていく。その構造が実に巧みで、気がつけば登場人物それぞれの立場に自分を重ね、「自分だったらどうするだろう」と考えてしまう。

そして何より、セリーヌ・ソンはとてもセンスがいい。
ほんの少しバランスを崩せば別の映画になってしまいそうな繊細な世界線の上を歩きながら、絶妙な品の良さとユーモアで作品を成立させている。だからこそ、この映画は間違いなく“こっち側”の映画なのだと思う。

劇中にはニューヨークの街や建築、インテリアが美しく映し出され、まるで街を散策しているような気分にもなれた。職業柄、その空間の魅力を味わうだけでも十分に楽しい作品だった。

@ 109シネマズ二子玉川

I watched the romantic drama “Materialists” (distributed by A24), directed and written by Celine Song and starring Dakota Johnson, Chris Evans, and Pedro Pascal.

Celine Song’s previous film, “Past Lives” (2023), was a quiet and deeply resonant love story. This new work, by contrast, is surprisingly brisk, comedic, and remarkably direct. At the risk of oversimplifying it, it even feels like a modern-day “Pretty Woman” — a classic romantic comedy in the best sense.

And yet, the film is far more than just light entertainment.

While asking questions about “love” with almost disarming sincerity, it explores marriage, status, economics, desire, and the tension between ideals and reality from multiple perspectives. The structure is so skillfully crafted that before long, I found myself identifying with each character and wondering what I would do in their place.

Above all, Celine Song has exceptional taste.

Walking a delicate line where even the slightest imbalance could have turned it into a completely different film, she holds everything together through elegance and humor. That is precisely why this film unquestionably belongs on “our side” of cinema.

The streets, architecture, and interiors of New York are beautifully captured throughout the film, making it feel at times as though you are wandering through the city yourself. Given my profession, simply appreciating those spaces was already a pleasure in its own right.

@ 109 Cinemas Futako-Tamagawa

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現在進行中の現場視察。
@ 某所

Site visit to an active project currently under construction.
@ Undisclosed Location

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現在進行中の現場視察。
@ 某所

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現在進行中の現場視察。
@ 某所

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現在進行中の現場視察。
@ 某所

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現在進行中の現場視察。
@ 某所

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アンドリュー・ワイエス展@ 東京都美術館にやってきた流れで・・・

国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

After visiting “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows” at the Tokyo Metropolitan Art Museum...

I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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アンドリュー・ワイエス展@ 東京都美術館にやってきた流れで・・・

国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

After visiting “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows” at the Tokyo Metropolitan Art Museum...

I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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アンドリュー・ワイエス展@ 東京都美術館にやってきた流れで・・・

国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

After visiting “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows” at the Tokyo Metropolitan Art Museum...

I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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アンドリュー・ワイエス展@ 東京都美術館にやってきた流れで・・・

国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

After visiting “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows” at the Tokyo Metropolitan Art Museum...

I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

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I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

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I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

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I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

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国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

After visiting “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows” at the Tokyo Metropolitan Art Museum...

I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

-
アンドリュー・ワイエス展@ 東京都美術館にやってきた流れで・・・

国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

After visiting “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows” at the Tokyo Metropolitan Art Museum...

I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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アンドリュー・ワイエス展@ 東京都美術館にやってきた流れで・・・

国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

After visiting “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows” at the Tokyo Metropolitan Art Museum...

I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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アンドリュー・ワイエス展@ 東京都美術館にやってきた流れで・・・

国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

After visiting “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows” at the Tokyo Metropolitan Art Museum...

I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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アンドリュー・ワイエス展@ 東京都美術館にやってきた流れで・・・

国立西洋美術館 ( 建築／ル・コルビュジエ ) と 東京文化会館 ( 建築／前川國男 ) と上野動物園前をぐるりと・・・

@ 上野公園

After visiting “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows” at the Tokyo Metropolitan Art Museum...

I took a walk around the National Museum of Western Art (architecture by Le Corbusier), the Tokyo Bunka Kaikan (architecture by Kunio Maekawa), and the area in front of Ueno Zoo.

@ Ueno Park

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アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

@ Tokyo Metropolitan Art Museum

-
アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

@ Tokyo Metropolitan Art Museum

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アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

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アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

@ Tokyo Metropolitan Art Museum

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アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

@ Tokyo Metropolitan Art Museum

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アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

@ Tokyo Metropolitan Art Museum

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アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

@ Tokyo Metropolitan Art Museum

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アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

@ Tokyo Metropolitan Art Museum

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アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

@ Tokyo Metropolitan Art Museum

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アメリカン・リージョナリズムの代表的な画家アンドリュー・ワイエスの
“ ANDREW WYETH Boundaries or Windows／アンドリュー・ワイエス展 ”に行って来た。

第二次世界大戦後から始まる、アメリカ抽象表現主義、ネオ・ダダ、ポップアートといった動向から距離を置いた具象画家とされている。
この展覧会を観て感じたのは、ワイエスにとっての表現は時代や他者との比較ではなく、彼を取り巻く数メートルの環境や関係にしっかりと視点を据えるという作家姿勢です。
繰り返し描かれる同一モチーフや人物から見えてくる宇宙、あるいは世界に訴えかける（結果として今日まで）メッセージを強く感じました。

僕自身、デザインという行為を続けながら、どれだけ定点で観測出来るか？どれだけ（しつこいぐらい）アイデアからスタイリングまで磨き上げられるか？
どれだけ存在に対して必然性を与えられるか？を考えるようになっていて、
ワイエスの持つ低空飛行的な制作姿勢にとても感銘を受けました。

あたり前ですが、向き合うものは自身の内側にあり、結構トレンドなんてものに目を向ける暇なんて無いはずなんだなぁ〜って（まぁ〜ワイエス自身はそんなことさえ考えず、生きる事と同義語として、観察し筆を動かしただけなんでしょうけど・・・）改めて感じる事の出来る時間でした。

@ 東京都美術館

I went to see “ANDREW WYETH: Boundaries or Windows,” an exhibition of Andrew Wyeth, one of the leading painters of American Regionalism.

Wyeth is often regarded as a representational painter who kept his distance from postwar movements such as Abstract Expressionism, Neo-Dada, and Pop Art.

What struck me most about this exhibition was that, for Wyeth, artistic expression was never about comparing himself to his era or to other artists. Instead, it was rooted in a steadfast focus on the few meters of environment and relationships that surrounded him.

I strongly felt the sense of a universe revealed through the repeated depiction of the same motifs and individuals, as well as a message directed toward the world—one that, as a result, continues to resonate today.

As someone who continues to practice design, I often find myself thinking about how long I can observe something from a fixed point, how thoroughly I can refine an idea all the way through to its styling—almost obsessively—and how much necessity I can give to a thing’s existence.

In that sense, I was deeply inspired by Wyeth’s low-altitude approach to making work.

It sounds obvious, but what we truly need to confront exists within ourselves, and perhaps there is hardly any time to spare for chasing trends.

(Though, knowing Wyeth, he probably never even thought about such things. Observing the world and moving his brush were likely one and the same as living itself.)

It was a valuable reminder.

@ Tokyo Metropolitan Art Museum

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是枝裕和 ( 原案／監督／脚本 ) × 綾瀬はるか／大悟 ( 千鳥 ) 等 ( 出演 )による、「ヒューマノイド」というSF設定を通して現代社会を描いたヒューマンドラマ “ 箱の中の羊／SHEEP IN THE BOX ” を観てきた。

近未来を舞台にしながらも、描かれているのは決して遠い世界の話ではなく、いまの社会や人間そのもの。
AIやヒューマノイドという存在を通して、「感情とは何か」「人間らしさとは何か」を問いかけてくる作品でした。

人は複雑なようで、とても単純。
そしてシステムや合理性も、本当に感情と切り離せるのだろうか。

是枝監督らしい静かな視線の中に、どこかサイバーパンク的な不穏さもあり、とても考えさせられる一本でした。

この“恐怖”は、きっと他人事ではない。

@ 109シネマズ二子玉川

追伸
大悟 ( 千鳥 )の演技が素晴らしい！
第二のリリー・フランキーの誕生の予感。

Hirokazu Kore-eda ( Original Story / Director / Screenwriter ) × Haruka Ayase / Daigo ( Chidori ) and others ( Cast ) in the human drama “SHEEP IN THE BOX,” which portrays contemporary society through the science-fiction premise of humanoids.

Although set in the near future, what it depicts is not some distant world, but the society and humanity of today.
Through the existence of AI and humanoids, the film asks profound questions: What are emotions? What does it mean to be human?

People may seem complex, but in many ways they are remarkably simple.
And can systems and rationality ever truly be separated from emotion?

Within Hirokazu Kore-eda’s characteristically quiet and observant gaze, there is also an undercurrent of cyberpunk-like unease, making this a deeply thought-provoking film.

This “fear” is surely not someone else's problem.

@ 109 Cinemas Futako-Tamagawa

P.S.
Daigo’s performance is outstanding!
I have a feeling we may be witnessing the birth of a second Lily Franky.

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是枝裕和 ( 原案／監督／脚本 ) × 綾瀬はるか／大悟 ( 千鳥 ) 等 ( 出演 )による、「ヒューマノイド」というSF設定を通して現代社会を描いたヒューマンドラマ “ 箱の中の羊／SHEEP IN THE BOX ” を観てきた。

近未来を舞台にしながらも、描かれているのは決して遠い世界の話ではなく、いまの社会や人間そのもの。
AIやヒューマノイドという存在を通して、「感情とは何か」「人間らしさとは何か」を問いかけてくる作品でした。

人は複雑なようで、とても単純。
そしてシステムや合理性も、本当に感情と切り離せるのだろうか。

是枝監督らしい静かな視線の中に、どこかサイバーパンク的な不穏さもあり、とても考えさせられる一本でした。

この“恐怖”は、きっと他人事ではない。

@ 109シネマズ二子玉川

追伸
大悟 ( 千鳥 )の演技が素晴らしい！
第二のリリー・フランキーの誕生の予感。

Hirokazu Kore-eda ( Original Story / Director / Screenwriter ) × Haruka Ayase / Daigo ( Chidori ) and others ( Cast ) in the human drama “SHEEP IN THE BOX,” which portrays contemporary society through the science-fiction premise of humanoids.

Although set in the near future, what it depicts is not some distant world, but the society and humanity of today.
Through the existence of AI and humanoids, the film asks profound questions: What are emotions? What does it mean to be human?

People may seem complex, but in many ways they are remarkably simple.
And can systems and rationality ever truly be separated from emotion?

Within Hirokazu Kore-eda’s characteristically quiet and observant gaze, there is also an undercurrent of cyberpunk-like unease, making this a deeply thought-provoking film.

This “fear” is surely not someone else's problem.

@ 109 Cinemas Futako-Tamagawa

P.S.
Daigo’s performance is outstanding!
I have a feeling we may be witnessing the birth of a second Lily Franky.

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“Wonderwall Studio Visit N°003” に、
たくさんのご応募をいただきありがとうございました。

今回は学生・社会人を分けずに募集を行いましたが、
想像していた以上に、本当に幅広い方々から応募をいただきました。

応募のときに書いてくれたコメントや理由はすべて読ませてもらい、
できる限り多くの方をお迎えしたい気持ちはありましたが、
今回も限られた人数での開催となるため、
すべての方をご案内することはできませんでした。

参加可否にかかわらず、すでに皆さんへご連絡しています。
（メールが見当たらない方は、迷惑メールフォルダも確認してみてください）

学生の方、社会に出ている方、これから自分の進む道を探している方。
それぞれの言葉から、Wonderwallや空間、デザインに対する関心が伝わってきました。

“Wonderwall Studio Visit” は、
今後も少しずつかたちを調整しながら、継続的に開催していく予定です。
今回ご参加いただけなかった方も、ぜひまた次の機会にご応募ください。

WONDERWALL
片山正通