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avec roland(e) on a pris la route.

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extrait de « HRODLAND » projet et vidéo réalisé(e) en 2025 avec l’aide et le soutien très précieux de Nicolas Desmurs // @kephas_des

visible jusqu’au 30.11 au @manoirmartigny x @biennaleson dans l’exposition « Erratum musical » de Pierre Leguillon // @lapromessedelecran

La narration est au cœur de ma démarche
artistique. Si la peinture constitue mon
médium principal, mon langage artistique
s’exprime également à travers le crochet,
la céramique, l’illustration, la sculpture et
l’installation. Cette pluralité de techniques
me permet d’explorer différentes facettes
du récit, chaque médium apportant sa
propre dimension à l’histoire que je souhaite
raconter.
À travers ces diverses pratiques, je tisse
des liens entre les matériaux, les formes
et les histoires qu’ils portent. La peinture,
par sa capacité à capturer l’émotion
pure, reste néanmoins le pilier central de
mon travail. Elle me permet de créer des
espaces narratifs où la couleur et la texture
deviennent les mots d’un langage visuel
unique.
Pourtant, mes œuvres transcendent leur
origine personnelle. En choisissant de ne
pas expliciter les récits qui les ont inspirées,
j’invite le spectateur à y projeter sa propre
histoire. Car si mes tableaux naissent
d’une expérience singulière - celle d’une
artiste suisse questionnant les apparences
policées de son environnement - ils
aspirent à toucher l’universel. La familiarité
troublante qui s’en dégage permet à chacun
d’y reconnaître un écho de sa propre vie.
C’est dans cet espace entre l’intime et
l’universel, entre le dit et le non-dit, que mon
travail trouve sa pleine expression. Chaque
œuvre devient ainsi un lieu de rencontre où
mes souvenirs personnels se transforment
en une invitation à explorer les vôtres.

Ce portrait s’inscrit dans la série Spécula⁠, une série de portraits qui place en son centre l’artiste contemporain non seulement comme sujet, mais comme miroir de sa propre pratique.

Peinture, son, installation, performance, textile, bois, céramique, photographie & vidéo sont autant de médium que chaque image met en scène. La construction visuelle qui s’en dégage entre en résonance avec le geste de l’artiste représenté.e.x, sa matière, son univers.

À travers ces mises en scène, Spécula cherche à révéler une forme de réflexion presque mystique, non pas celle des traits, mais celle du rapport entre le corps, l’espace et l’acte de création où l’identité se mêle à la pratique, et où l’artiste se reflète dans ce qu’il façonne.

La narration est au cœur de ma démarche
artistique. Si la peinture constitue mon
médium principal, mon langage artistique
s’exprime également à travers le crochet,
la céramique, l’illustration, la sculpture et
l’installation. Cette pluralité de techniques
me permet d’explorer différentes facettes
du récit, chaque médium apportant sa
propre dimension à l’histoire que je souhaite
raconter.
À travers ces diverses pratiques, je tisse
des liens entre les matériaux, les formes
et les histoires qu’ils portent. La peinture,
par sa capacité à capturer l’émotion
pure, reste néanmoins le pilier central de
mon travail. Elle me permet de créer des
espaces narratifs où la couleur et la texture
deviennent les mots d’un langage visuel
unique.
Pourtant, mes œuvres transcendent leur
origine personnelle. En choisissant de ne
pas expliciter les récits qui les ont inspirées,
j’invite le spectateur à y projeter sa propre
histoire. Car si mes tableaux naissent
d’une expérience singulière - celle d’une
artiste suisse questionnant les apparences
policées de son environnement - ils
aspirent à toucher l’universel. La familiarité
troublante qui s’en dégage permet à chacun
d’y reconnaître un écho de sa propre vie.
C’est dans cet espace entre l’intime et
l’universel, entre le dit et le non-dit, que mon
travail trouve sa pleine expression. Chaque
œuvre devient ainsi un lieu de rencontre où
mes souvenirs personnels se transforment
en une invitation à explorer les vôtres.

Ce portrait s’inscrit dans la série Spécula⁠, une série de portraits qui place en son centre l’artiste contemporain non seulement comme sujet, mais comme miroir de sa propre pratique.

Peinture, son, installation, performance, textile, bois, céramique, photographie & vidéo sont autant de médium que chaque image met en scène. La construction visuelle qui s’en dégage entre en résonance avec le geste de l’artiste représenté.e.x, sa matière, son univers.

À travers ces mises en scène, Spécula cherche à révéler une forme de réflexion presque mystique, non pas celle des traits, mais celle du rapport entre le corps, l’espace et l’acte de création où l’identité se mêle à la pratique, et où l’artiste se reflète dans ce qu’il façonne.

La narration est au cœur de ma démarche
artistique. Si la peinture constitue mon
médium principal, mon langage artistique
s’exprime également à travers le crochet,
la céramique, l’illustration, la sculpture et
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me permet d’explorer différentes facettes
du récit, chaque médium apportant sa
propre dimension à l’histoire que je souhaite
raconter.
À travers ces diverses pratiques, je tisse
des liens entre les matériaux, les formes
et les histoires qu’ils portent. La peinture,
par sa capacité à capturer l’émotion
pure, reste néanmoins le pilier central de
mon travail. Elle me permet de créer des
espaces narratifs où la couleur et la texture
deviennent les mots d’un langage visuel
unique.
Pourtant, mes œuvres transcendent leur
origine personnelle. En choisissant de ne
pas expliciter les récits qui les ont inspirées,
j’invite le spectateur à y projeter sa propre
histoire. Car si mes tableaux naissent
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artiste suisse questionnant les apparences
policées de son environnement - ils
aspirent à toucher l’universel. La familiarité
troublante qui s’en dégage permet à chacun
d’y reconnaître un écho de sa propre vie.
C’est dans cet espace entre l’intime et
l’universel, entre le dit et le non-dit, que mon
travail trouve sa pleine expression. Chaque
œuvre devient ainsi un lieu de rencontre où
mes souvenirs personnels se transforment
en une invitation à explorer les vôtres.

Ce portrait s’inscrit dans la série Spécula⁠, une série de portraits qui place en son centre l’artiste contemporain non seulement comme sujet, mais comme miroir de sa propre pratique.

Peinture, son, installation, performance, textile, bois, céramique, photographie & vidéo sont autant de médium que chaque image met en scène. La construction visuelle qui s’en dégage entre en résonance avec le geste de l’artiste représenté.e.x, sa matière, son univers.

À travers ces mises en scène, Spécula cherche à révéler une forme de réflexion presque mystique, non pas celle des traits, mais celle du rapport entre le corps, l’espace et l’acte de création où l’identité se mêle à la pratique, et où l’artiste se reflète dans ce qu’il façonne.

Shooting Book de comédien Benjamin Bender 3/3 ( @benjamin_b98 )

Avril 2025

Un grand merci à @villa.mirage de nous avoir autorisés à utiliser ce lieu magnifique pour notre shooting, et un immense merci à @jon_feul.jpg pour son aide précieuse lors de la séance !

📸 : @kephas_des

📍Pour toute demande de shooting ou de tournage dans ce décor, merci de contacter @villa.mirage !

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Avril 2025

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Avril 2025

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Avril 2025

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𝘌𝘕𝘊𝘖𝘙𝘌 est un travail réalisé avec Nicolas Desmurs (photographe) et Eline Choffat (peintre).
Après une année de recherche plastique et de peinture de corps, j’ai fait une sélection de trois toiles pour les regrouper dans un même projet.
Le but ici était de donner dans un second temps un sens et un concept à ces peintures réalisées de façon instinctive. En faisant appel à Nicolas, l’intention était de réaliser une série photo pour créer une nouvelle œuvre qui mêle les médiums de la peinture et de la photographie.
Les jambes créent un nouveau châssis, portant la toile et prolongeant les corps illustrés. La pulsion de créer ces toiles est mise en scène dans des lieux qui regroupent les trois formes de l’eau - la glace, la neige et la rivière - qui mettent en avant les différents sentiments regroupés dans un même corps.
Merci à Julie @tecktonikeuse qui nous a assistés dans ce projet et qui s’est réveillée tôt avec nous pour aller dans 3 coins éloignés de la Suisse dans le froid 🧌

𝘌𝘕𝘊𝘖𝘙𝘌 est un travail réalisé avec Nicolas Desmurs (photographe) et Eline Choffat (peintre).
Après une année de recherche plastique et de peinture de corps, j’ai fait une sélection de trois toiles pour les regrouper dans un même projet.
Le but ici était de donner dans un second temps un sens et un concept à ces peintures réalisées de façon instinctive. En faisant appel à Nicolas, l’intention était de réaliser une série photo pour créer une nouvelle œuvre qui mêle les médiums de la peinture et de la photographie.
Les jambes créent un nouveau châssis, portant la toile et prolongeant les corps illustrés. La pulsion de créer ces toiles est mise en scène dans des lieux qui regroupent les trois formes de l’eau - la glace, la neige et la rivière - qui mettent en avant les différents sentiments regroupés dans un même corps.
Merci à Julie @tecktonikeuse qui nous a assistés dans ce projet et qui s’est réveillée tôt avec nous pour aller dans 3 coins éloignés de la Suisse dans le froid 🧌

𝘌𝘕𝘊𝘖𝘙𝘌 est un travail réalisé avec Nicolas Desmurs (photographe) et Eline Choffat (peintre).
Après une année de recherche plastique et de peinture de corps, j’ai fait une sélection de trois toiles pour les regrouper dans un même projet.
Le but ici était de donner dans un second temps un sens et un concept à ces peintures réalisées de façon instinctive. En faisant appel à Nicolas, l’intention était de réaliser une série photo pour créer une nouvelle œuvre qui mêle les médiums de la peinture et de la photographie.
Les jambes créent un nouveau châssis, portant la toile et prolongeant les corps illustrés. La pulsion de créer ces toiles est mise en scène dans des lieux qui regroupent les trois formes de l’eau - la glace, la neige et la rivière - qui mettent en avant les différents sentiments regroupés dans un même corps.
Merci à Julie @tecktonikeuse qui nous a assistés dans ce projet et qui s’est réveillée tôt avec nous pour aller dans 3 coins éloignés de la Suisse dans le froid 🧌

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Après une année de recherche plastique et de peinture de corps, j’ai fait une sélection de trois toiles pour les regrouper dans un même projet.
Le but ici était de donner dans un second temps un sens et un concept à ces peintures réalisées de façon instinctive. En faisant appel à Nicolas, l’intention était de réaliser une série photo pour créer une nouvelle œuvre qui mêle les médiums de la peinture et de la photographie.
Les jambes créent un nouveau châssis, portant la toile et prolongeant les corps illustrés. La pulsion de créer ces toiles est mise en scène dans des lieux qui regroupent les trois formes de l’eau - la glace, la neige et la rivière - qui mettent en avant les différents sentiments regroupés dans un même corps.
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𝘌𝘕𝘊𝘖𝘙𝘌 est un travail réalisé avec Nicolas Desmurs (photographe) et Eline Choffat (peintre).
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Le but ici était de donner dans un second temps un sens et un concept à ces peintures réalisées de façon instinctive. En faisant appel à Nicolas, l’intention était de réaliser une série photo pour créer une nouvelle œuvre qui mêle les médiums de la peinture et de la photographie.
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𝘌𝘕𝘊𝘖𝘙𝘌 est un travail réalisé avec Nicolas Desmurs (photographe) et Eline Choffat (peintre).
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Après une année de recherche plastique et de peinture de corps, j’ai fait une sélection de trois toiles pour les regrouper dans un même projet.
Le but ici était de donner dans un second temps un sens et un concept à ces peintures réalisées de façon instinctive. En faisant appel à Nicolas, l’intention était de réaliser une série photo pour créer une nouvelle œuvre qui mêle les médiums de la peinture et de la photographie.
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RIDEAU // MAI 2024
Tirages papiers barytés 10 x 15 cm

#valais #valaiswallis #valaisajamaisgravedansmoncoeur #surealism #chihiro #photography #photographers #ghost #paysagephotography

RIDEAU // MAI 2024
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MUZAK // Installation sonore, téléphone Bakélite (1958), peinture acrylique, performance, Scan du certificat d’admission de Jean Paul Felley, directeur de l’EDHEA, Muzak, Série N°2, 2024

Inspirée par Lev Manovich et son article « On Totalitarian Interactivity », Muzak fonctionne comme une entreprise et démontre l’interactivité comme un outil de manipulation plutôt que de libération.

À votre entrée, une sonnerie stridente vous presse. Après avoir descendu les escaliers, un unique spot éclaire un téléphone sur un tableau rouge. Une personne derrière un guichet vous observe, quittant son poste si vous avancez vers le combiné.

« Avez-vous le droit de décrocher ? »

Ce geste simple est une réponse à la première étape de sélection de l’installation. Une fois décroché, le téléphone vous annonce s’il vous juge digne de devenir une composante de la structure du dispositif.

Félicitations, vous êtes désormais une partie intégrante de Muzak.

Fidèle au système capitaliste qu’elle met en scène, Muzak n’exploite que « ses heureux gagnants » dans le but de s’étendre et tapisser la pièce de ses certificats d’admission rouges signés par les élus.

Paradoxalement, bien que ce dispositif reproduise avec froideur un aspect de notre réalité quotidienne, cette œuvre nourrit une réflexion sur l’émancipation face à un système de valeurs dominantes.

En laissant les malchanceux « libres » de son emprise, l’installation Muzak, par son statut d’œuvre d’art, offre la possibilité de relativiser nos échecs tout en invitant à réfléchir sur notre manière d’interagir au sein de structures de pouvoir et de réussite dans la société contemporaine.

À l’occasion du @pollenfestival, Muzak offre le cachet de son artiste à celui qui décrochera le téléphone au moment opportun !

MUZAK // Installation sonore, téléphone Bakélite (1958), peinture acrylique, performance, Scan du certificat d’admission de Jean Paul Felley, directeur de l’EDHEA, Muzak, Série N°2, 2024

Inspirée par Lev Manovich et son article « On Totalitarian Interactivity », Muzak fonctionne comme une entreprise et démontre l’interactivité comme un outil de manipulation plutôt que de libération.

À votre entrée, une sonnerie stridente vous presse. Après avoir descendu les escaliers, un unique spot éclaire un téléphone sur un tableau rouge. Une personne derrière un guichet vous observe, quittant son poste si vous avancez vers le combiné.

« Avez-vous le droit de décrocher ? »

Ce geste simple est une réponse à la première étape de sélection de l’installation. Une fois décroché, le téléphone vous annonce s’il vous juge digne de devenir une composante de la structure du dispositif.

Félicitations, vous êtes désormais une partie intégrante de Muzak.

Fidèle au système capitaliste qu’elle met en scène, Muzak n’exploite que « ses heureux gagnants » dans le but de s’étendre et tapisser la pièce de ses certificats d’admission rouges signés par les élus.

Paradoxalement, bien que ce dispositif reproduise avec froideur un aspect de notre réalité quotidienne, cette œuvre nourrit une réflexion sur l’émancipation face à un système de valeurs dominantes.

En laissant les malchanceux « libres » de son emprise, l’installation Muzak, par son statut d’œuvre d’art, offre la possibilité de relativiser nos échecs tout en invitant à réfléchir sur notre manière d’interagir au sein de structures de pouvoir et de réussite dans la société contemporaine.

À l’occasion du @pollenfestival, Muzak offre le cachet de son artiste à celui qui décrochera le téléphone au moment opportun !

MUZAK // Installation sonore, téléphone Bakélite (1958), peinture acrylique, performance, Scan du certificat d’admission de Jean Paul Felley, directeur de l’EDHEA, Muzak, Série N°2, 2024

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MUZAK // Installation sonore, téléphone Bakélite (1958), peinture acrylique, performance, Scan du certificat d’admission de Jean Paul Felley, directeur de l’EDHEA, Muzak, Série N°2, 2024

Inspirée par Lev Manovich et son article « On Totalitarian Interactivity », Muzak fonctionne comme une entreprise et démontre l’interactivité comme un outil de manipulation plutôt que de libération.

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MUZAK // Installation sonore, téléphone Bakélite (1958), peinture acrylique, performance, Scan du certificat d’admission de Jean Paul Felley, directeur de l’EDHEA, Muzak, Série N°2, 2024

Inspirée par Lev Manovich et son article « On Totalitarian Interactivity », Muzak fonctionne comme une entreprise et démontre l’interactivité comme un outil de manipulation plutôt que de libération.

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Fidèle au système capitaliste qu’elle met en scène, Muzak n’exploite que « ses heureux gagnants » dans le but de s’étendre et tapisser la pièce de ses certificats d’admission rouges signés par les élus.

Paradoxalement, bien que ce dispositif reproduise avec froideur un aspect de notre réalité quotidienne, cette œuvre nourrit une réflexion sur l’émancipation face à un système de valeurs dominantes.

En laissant les malchanceux « libres » de son emprise, l’installation Muzak, par son statut d’œuvre d’art, offre la possibilité de relativiser nos échecs tout en invitant à réfléchir sur notre manière d’interagir au sein de structures de pouvoir et de réussite dans la société contemporaine.

À l’occasion du @pollenfestival, Muzak offre le cachet de son artiste à celui qui décrochera le téléphone au moment opportun !

MUZAK // Installation sonore, téléphone Bakélite (1958), peinture acrylique, performance, Scan du certificat d’admission de Jean Paul Felley, directeur de l’EDHEA, Muzak, Série N°2, 2024

Inspirée par Lev Manovich et son article « On Totalitarian Interactivity », Muzak fonctionne comme une entreprise et démontre l’interactivité comme un outil de manipulation plutôt que de libération.

À votre entrée, une sonnerie stridente vous presse. Après avoir descendu les escaliers, un unique spot éclaire un téléphone sur un tableau rouge. Une personne derrière un guichet vous observe, quittant son poste si vous avancez vers le combiné.

« Avez-vous le droit de décrocher ? »

Ce geste simple est une réponse à la première étape de sélection de l’installation. Une fois décroché, le téléphone vous annonce s’il vous juge digne de devenir une composante de la structure du dispositif.

Félicitations, vous êtes désormais une partie intégrante de Muzak.

Fidèle au système capitaliste qu’elle met en scène, Muzak n’exploite que « ses heureux gagnants » dans le but de s’étendre et tapisser la pièce de ses certificats d’admission rouges signés par les élus.

Paradoxalement, bien que ce dispositif reproduise avec froideur un aspect de notre réalité quotidienne, cette œuvre nourrit une réflexion sur l’émancipation face à un système de valeurs dominantes.

En laissant les malchanceux « libres » de son emprise, l’installation Muzak, par son statut d’œuvre d’art, offre la possibilité de relativiser nos échecs tout en invitant à réfléchir sur notre manière d’interagir au sein de structures de pouvoir et de réussite dans la société contemporaine.

À l’occasion du @pollenfestival, Muzak offre le cachet de son artiste à celui qui décrochera le téléphone au moment opportun !

MUZAK // Installation sonore, téléphone Bakélite (1958), peinture acrylique, performance, Scan du certificat d’admission de Jean Paul Felley, directeur de l’EDHEA, Muzak, Série N°2, 2024

Inspirée par Lev Manovich et son article « On Totalitarian Interactivity », Muzak fonctionne comme une entreprise et démontre l’interactivité comme un outil de manipulation plutôt que de libération.

À votre entrée, une sonnerie stridente vous presse. Après avoir descendu les escaliers, un unique spot éclaire un téléphone sur un tableau rouge. Une personne derrière un guichet vous observe, quittant son poste si vous avancez vers le combiné.

« Avez-vous le droit de décrocher ? »

Ce geste simple est une réponse à la première étape de sélection de l’installation. Une fois décroché, le téléphone vous annonce s’il vous juge digne de devenir une composante de la structure du dispositif.

Félicitations, vous êtes désormais une partie intégrante de Muzak.

Fidèle au système capitaliste qu’elle met en scène, Muzak n’exploite que « ses heureux gagnants » dans le but de s’étendre et tapisser la pièce de ses certificats d’admission rouges signés par les élus.

Paradoxalement, bien que ce dispositif reproduise avec froideur un aspect de notre réalité quotidienne, cette œuvre nourrit une réflexion sur l’émancipation face à un système de valeurs dominantes.

En laissant les malchanceux « libres » de son emprise, l’installation Muzak, par son statut d’œuvre d’art, offre la possibilité de relativiser nos échecs tout en invitant à réfléchir sur notre manière d’interagir au sein de structures de pouvoir et de réussite dans la société contemporaine.

À l’occasion du @pollenfestival, Muzak offre le cachet de son artiste à celui qui décrochera le téléphone au moment opportun !

MUZAK // Installation sonore, téléphone Bakélite (1958), peinture acrylique, performance, Scan du certificat d’admission de Jean Paul Felley, directeur de l’EDHEA, Muzak, Série N°2, 2024

Inspirée par Lev Manovich et son article « On Totalitarian Interactivity », Muzak fonctionne comme une entreprise et démontre l’interactivité comme un outil de manipulation plutôt que de libération.

À votre entrée, une sonnerie stridente vous presse. Après avoir descendu les escaliers, un unique spot éclaire un téléphone sur un tableau rouge. Une personne derrière un guichet vous observe, quittant son poste si vous avancez vers le combiné.

« Avez-vous le droit de décrocher ? »

Ce geste simple est une réponse à la première étape de sélection de l’installation. Une fois décroché, le téléphone vous annonce s’il vous juge digne de devenir une composante de la structure du dispositif.

Félicitations, vous êtes désormais une partie intégrante de Muzak.

Fidèle au système capitaliste qu’elle met en scène, Muzak n’exploite que « ses heureux gagnants » dans le but de s’étendre et tapisser la pièce de ses certificats d’admission rouges signés par les élus.

Paradoxalement, bien que ce dispositif reproduise avec froideur un aspect de notre réalité quotidienne, cette œuvre nourrit une réflexion sur l’émancipation face à un système de valeurs dominantes.

En laissant les malchanceux « libres » de son emprise, l’installation Muzak, par son statut d’œuvre d’art, offre la possibilité de relativiser nos échecs tout en invitant à réfléchir sur notre manière d’interagir au sein de structures de pouvoir et de réussite dans la société contemporaine.

À l’occasion du @pollenfestival, Muzak offre le cachet de son artiste à celui qui décrochera le téléphone au moment opportun !

MUZAK // Installation sonore, téléphone Bakélite (1958), peinture acrylique, performance, Scan du certificat d’admission de Jean Paul Felley, directeur de l’EDHEA, Muzak, Série N°2, 2024

Inspirée par Lev Manovich et son article « On Totalitarian Interactivity », Muzak fonctionne comme une entreprise et démontre l’interactivité comme un outil de manipulation plutôt que de libération.

À votre entrée, une sonnerie stridente vous presse. Après avoir descendu les escaliers, un unique spot éclaire un téléphone sur un tableau rouge. Une personne derrière un guichet vous observe, quittant son poste si vous avancez vers le combiné.

« Avez-vous le droit de décrocher ? »

Ce geste simple est une réponse à la première étape de sélection de l’installation. Une fois décroché, le téléphone vous annonce s’il vous juge digne de devenir une composante de la structure du dispositif.

Félicitations, vous êtes désormais une partie intégrante de Muzak.

Fidèle au système capitaliste qu’elle met en scène, Muzak n’exploite que « ses heureux gagnants » dans le but de s’étendre et tapisser la pièce de ses certificats d’admission rouges signés par les élus.

Paradoxalement, bien que ce dispositif reproduise avec froideur un aspect de notre réalité quotidienne, cette œuvre nourrit une réflexion sur l’émancipation face à un système de valeurs dominantes.

En laissant les malchanceux « libres » de son emprise, l’installation Muzak, par son statut d’œuvre d’art, offre la possibilité de relativiser nos échecs tout en invitant à réfléchir sur notre manière d’interagir au sein de structures de pouvoir et de réussite dans la société contemporaine.

À l’occasion du @pollenfestival, Muzak offre le cachet de son artiste à celui qui décrochera le téléphone au moment opportun !

// INTERLUDE //

22 cm × 300 cm ×160 cm, couteau, enceinte, toile, monochrome cyanotypique,
structure bois, bras gauche et pied gauche de [lɔm də paj] , gravure, 2023

Né d’une brève pause avec la réalité, ce cadre est le résultat de fantaisies compulsives ou en anglais "Maladaptive daydreaming. "
Ces termes jargonneux définissentl’envie de vivre dans une fiction, ou le désir intense d’échapper à la réalité.

Hybridation entre peinture et écran au format 16:9,
« INTERLUDE » est une oeuvre intéractive événementielle.
Une intéraction nous est suggérée dès l’entrée de la
salle par un couteau planté dans un socle blanc.

À l’instar de la box de Robert Morris, laissée en proie au public, le cadre cyan chante les divers sons réalisés lors de la création de son châssis. Si l’on se décide à retirer le couteau de son socle, le silence règne dans la pièce. L’absence de son qu’elle nous offre n’est là que pour sublimer le moindre de nos actes. C’est en déchirant sa chair que nous faisons notre entrée dans une fiction bien plus grande.

Ses entrailles, désormais à l’air libre, révèlent la
nature des sons précédemment chantés par
l’installation. Un code est gravé à la main sur l’ensemble de la structure en bois permettant aux protagonistes une nouvelle lecture de l’œuvre.

À supposer que l’on réussirait à déchiffrer ces marques, le cadre se transformerait en «  un portail symbolique entre fiction et réalité.  »

Cette œuvre ne meurt jamais bien qu’elle vive au rythme des coups de poignard qui lui sont assénés. Une fois la nuit tombée, des mains viendront souligner vos traces d’un fil blanc, raccommodant la toile pour le cycle suivant. 

#fiction #cyanotype #cyanotypes #cyan #work #artwork #art #artcontemporain #artcontemporary #tableau #paint #peinture #cut #couteau #instalationart #interactive #chair #performance #sound #soundartist #soundart #code #searching #search #tresor

Merci à @usman_abdul et @jon_feul.jpg pour la pose !

// INTERLUDE //

22 cm × 300 cm ×160 cm, couteau, enceinte, toile, monochrome cyanotypique,
structure bois, bras gauche et pied gauche de [lɔm də paj] , gravure, 2023

Né d’une brève pause avec la réalité, ce cadre est le résultat de fantaisies compulsives ou en anglais "Maladaptive daydreaming. "
Ces termes jargonneux définissentl’envie de vivre dans une fiction, ou le désir intense d’échapper à la réalité.

Hybridation entre peinture et écran au format 16:9,
« INTERLUDE » est une oeuvre intéractive événementielle.
Une intéraction nous est suggérée dès l’entrée de la
salle par un couteau planté dans un socle blanc.

À l’instar de la box de Robert Morris, laissée en proie au public, le cadre cyan chante les divers sons réalisés lors de la création de son châssis. Si l’on se décide à retirer le couteau de son socle, le silence règne dans la pièce. L’absence de son qu’elle nous offre n’est là que pour sublimer le moindre de nos actes. C’est en déchirant sa chair que nous faisons notre entrée dans une fiction bien plus grande.

Ses entrailles, désormais à l’air libre, révèlent la
nature des sons précédemment chantés par
l’installation. Un code est gravé à la main sur l’ensemble de la structure en bois permettant aux protagonistes une nouvelle lecture de l’œuvre.

À supposer que l’on réussirait à déchiffrer ces marques, le cadre se transformerait en «  un portail symbolique entre fiction et réalité.  »

Cette œuvre ne meurt jamais bien qu’elle vive au rythme des coups de poignard qui lui sont assénés. Une fois la nuit tombée, des mains viendront souligner vos traces d’un fil blanc, raccommodant la toile pour le cycle suivant. 

#fiction #cyanotype #cyanotypes #cyan #work #artwork #art #artcontemporain #artcontemporary #tableau #paint #peinture #cut #couteau #instalationart #interactive #chair #performance #sound #soundartist #soundart #code #searching #search #tresor

Merci à @usman_abdul et @jon_feul.jpg pour la pose !

// INTERLUDE //

22 cm × 300 cm ×160 cm, couteau, enceinte, toile, monochrome cyanotypique,
structure bois, bras gauche et pied gauche de [lɔm də paj] , gravure, 2023

Né d’une brève pause avec la réalité, ce cadre est le résultat de fantaisies compulsives ou en anglais "Maladaptive daydreaming. "
Ces termes jargonneux définissentl’envie de vivre dans une fiction, ou le désir intense d’échapper à la réalité.

Hybridation entre peinture et écran au format 16:9,
« INTERLUDE » est une oeuvre intéractive événementielle.
Une intéraction nous est suggérée dès l’entrée de la
salle par un couteau planté dans un socle blanc.

À l’instar de la box de Robert Morris, laissée en proie au public, le cadre cyan chante les divers sons réalisés lors de la création de son châssis. Si l’on se décide à retirer le couteau de son socle, le silence règne dans la pièce. L’absence de son qu’elle nous offre n’est là que pour sublimer le moindre de nos actes. C’est en déchirant sa chair que nous faisons notre entrée dans une fiction bien plus grande.

Ses entrailles, désormais à l’air libre, révèlent la
nature des sons précédemment chantés par
l’installation. Un code est gravé à la main sur l’ensemble de la structure en bois permettant aux protagonistes une nouvelle lecture de l’œuvre.

À supposer que l’on réussirait à déchiffrer ces marques, le cadre se transformerait en «  un portail symbolique entre fiction et réalité.  »

Cette œuvre ne meurt jamais bien qu’elle vive au rythme des coups de poignard qui lui sont assénés. Une fois la nuit tombée, des mains viendront souligner vos traces d’un fil blanc, raccommodant la toile pour le cycle suivant. 

#fiction #cyanotype #cyanotypes #cyan #work #artwork #art #artcontemporain #artcontemporary #tableau #paint #peinture #cut #couteau #instalationart #interactive #chair #performance #sound #soundartist #soundart #code #searching #search #tresor

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22 cm × 300 cm ×160 cm, couteau, enceinte, toile, monochrome cyanotypique,
structure bois, bras gauche et pied gauche de [lɔm də paj] , gravure, 2023

Né d’une brève pause avec la réalité, ce cadre est le résultat de fantaisies compulsives ou en anglais "Maladaptive daydreaming. "
Ces termes jargonneux définissentl’envie de vivre dans une fiction, ou le désir intense d’échapper à la réalité.

Hybridation entre peinture et écran au format 16:9,
« INTERLUDE » est une oeuvre intéractive événementielle.
Une intéraction nous est suggérée dès l’entrée de la
salle par un couteau planté dans un socle blanc.

À l’instar de la box de Robert Morris, laissée en proie au public, le cadre cyan chante les divers sons réalisés lors de la création de son châssis. Si l’on se décide à retirer le couteau de son socle, le silence règne dans la pièce. L’absence de son qu’elle nous offre n’est là que pour sublimer le moindre de nos actes. C’est en déchirant sa chair que nous faisons notre entrée dans une fiction bien plus grande.

Ses entrailles, désormais à l’air libre, révèlent la
nature des sons précédemment chantés par
l’installation. Un code est gravé à la main sur l’ensemble de la structure en bois permettant aux protagonistes une nouvelle lecture de l’œuvre.

À supposer que l’on réussirait à déchiffrer ces marques, le cadre se transformerait en «  un portail symbolique entre fiction et réalité.  »

Cette œuvre ne meurt jamais bien qu’elle vive au rythme des coups de poignard qui lui sont assénés. Une fois la nuit tombée, des mains viendront souligner vos traces d’un fil blanc, raccommodant la toile pour le cycle suivant. 

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22 cm × 300 cm ×160 cm, couteau, enceinte, toile, monochrome cyanotypique,
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Né d’une brève pause avec la réalité, ce cadre est le résultat de fantaisies compulsives ou en anglais "Maladaptive daydreaming. "
Ces termes jargonneux définissentl’envie de vivre dans une fiction, ou le désir intense d’échapper à la réalité.

Hybridation entre peinture et écran au format 16:9,
« INTERLUDE » est une oeuvre intéractive événementielle.
Une intéraction nous est suggérée dès l’entrée de la
salle par un couteau planté dans un socle blanc.

À l’instar de la box de Robert Morris, laissée en proie au public, le cadre cyan chante les divers sons réalisés lors de la création de son châssis. Si l’on se décide à retirer le couteau de son socle, le silence règne dans la pièce. L’absence de son qu’elle nous offre n’est là que pour sublimer le moindre de nos actes. C’est en déchirant sa chair que nous faisons notre entrée dans une fiction bien plus grande.

Ses entrailles, désormais à l’air libre, révèlent la
nature des sons précédemment chantés par
l’installation. Un code est gravé à la main sur l’ensemble de la structure en bois permettant aux protagonistes une nouvelle lecture de l’œuvre.

À supposer que l’on réussirait à déchiffrer ces marques, le cadre se transformerait en «  un portail symbolique entre fiction et réalité.  »

Cette œuvre ne meurt jamais bien qu’elle vive au rythme des coups de poignard qui lui sont assénés. Une fois la nuit tombée, des mains viendront souligner vos traces d’un fil blanc, raccommodant la toile pour le cycle suivant. 

#fiction #cyanotype #cyanotypes #cyan #work #artwork #art #artcontemporain #artcontemporary #tableau #paint #peinture #cut #couteau #instalationart #interactive #chair #performance #sound #soundartist #soundart #code #searching #search #tresor

Merci à @usman_abdul et @jon_feul.jpg pour la pose !

// INTERLUDE //

22 cm × 300 cm ×160 cm, couteau, enceinte, toile, monochrome cyanotypique,
structure bois, bras gauche et pied gauche de [lɔm də paj] , gravure, 2023

Né d’une brève pause avec la réalité, ce cadre est le résultat de fantaisies compulsives ou en anglais "Maladaptive daydreaming. "
Ces termes jargonneux définissentl’envie de vivre dans une fiction, ou le désir intense d’échapper à la réalité.

Hybridation entre peinture et écran au format 16:9,
« INTERLUDE » est une oeuvre intéractive événementielle.
Une intéraction nous est suggérée dès l’entrée de la
salle par un couteau planté dans un socle blanc.

À l’instar de la box de Robert Morris, laissée en proie au public, le cadre cyan chante les divers sons réalisés lors de la création de son châssis. Si l’on se décide à retirer le couteau de son socle, le silence règne dans la pièce. L’absence de son qu’elle nous offre n’est là que pour sublimer le moindre de nos actes. C’est en déchirant sa chair que nous faisons notre entrée dans une fiction bien plus grande.

Ses entrailles, désormais à l’air libre, révèlent la
nature des sons précédemment chantés par
l’installation. Un code est gravé à la main sur l’ensemble de la structure en bois permettant aux protagonistes une nouvelle lecture de l’œuvre.

À supposer que l’on réussirait à déchiffrer ces marques, le cadre se transformerait en «  un portail symbolique entre fiction et réalité.  »

Cette œuvre ne meurt jamais bien qu’elle vive au rythme des coups de poignard qui lui sont assénés. Une fois la nuit tombée, des mains viendront souligner vos traces d’un fil blanc, raccommodant la toile pour le cycle suivant. 

#fiction #cyanotype #cyanotypes #cyan #work #artwork #art #artcontemporain #artcontemporary #tableau #paint #peinture #cut #couteau #instalationart #interactive #chair #performance #sound #soundartist #soundart #code #searching #search #tresor

Merci à @usman_abdul et @jon_feul.jpg pour la pose !

[ lɔm də paj ]
JCC, 2022
140 X 160 X 470 cm
Corps sonore, bois, peinture, sculpture.

Pochette vinyle de la performance sonore à la basilique de Valère :

Marie Piot, Evon Gabrielyan, Zoé Schwyzer, Nicolas Desmurs.
31 X 31 cm
~ 70'' ( ~ 70 minutes )

Résidu de performance, archive sonore, vinyle, pochette, impression jet d’encre sur papier glossy + intérieur papier noir mat.

@edhea_ch
@edhea_bachelor_son
@grand.voyage.records

#photography #woodsculpture #sculpture #art #winter #photo #photographers #son #song #vinyl #vinylcollection #vinylcommunity #song #son #noise #collector #video #wood #paintings #performance #corpssonore #archive #archivesonore

[ lɔm də paj ]
JCC, 2022
140 X 160 X 470 cm
Corps sonore, bois, peinture, sculpture.

Pochette vinyle de la performance sonore à la basilique de Valère :

Marie Piot, Evon Gabrielyan, Zoé Schwyzer, Nicolas Desmurs.
31 X 31 cm
~ 70'' ( ~ 70 minutes )

Résidu de performance, archive sonore, vinyle, pochette, impression jet d’encre sur papier glossy + intérieur papier noir mat.

@edhea_ch
@edhea_bachelor_son
@grand.voyage.records

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[ lɔm də paj ]
JCC, 2022
140 X 160 X 470 cm
Corps sonore, bois, peinture, sculpture.

Pochette vinyle de la performance sonore à la basilique de Valère :

Marie Piot, Evon Gabrielyan, Zoé Schwyzer, Nicolas Desmurs.
31 X 31 cm
~ 70'' ( ~ 70 minutes )

Résidu de performance, archive sonore, vinyle, pochette, impression jet d’encre sur papier glossy + intérieur papier noir mat.

@edhea_ch
@edhea_bachelor_son
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[ lɔm də paj ]
JCC, 2022
140 X 160 X 470 cm
Corps sonore, bois, peinture, sculpture.

Pochette vinyle de la performance sonore à la basilique de Valère :

Marie Piot, Evon Gabrielyan, Zoé Schwyzer, Nicolas Desmurs.
31 X 31 cm
~ 70'' ( ~ 70 minutes )

Résidu de performance, archive sonore, vinyle, pochette, impression jet d’encre sur papier glossy + intérieur papier noir mat.

@edhea_ch
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APP 20-21
•
Abstract
Cette brique rouge, première pierre d’un projet d’une durée encore inconnue, transmet un souvenir de la pandémie de l’année 2020-2021.
À l’instar de grands classiques de la littérature comme
Le journal d’Anne Frank ou le travail de Nan Goldin
The Balade of Sexual Dependency, ce journal intime transformé en roman photographique relate un événement mondial par le biais de témoignages narrés par des textes et dépeints par les nombreux clichés de mes proches,
des bâtiments et des habitants composant la ville de Nyon. L’intégralité de ce que j’ai pu enregistrer a été créé dans l’espoir qu’il me survivra pour raconter notre histoire aux générations futures.
•
Exemplaire unique, tirage jet d’encre couleur et noir blanc, texte écrit à la main.
•
Merci à @lesrelieuses pour la structure de cette édition.
•
Reproduction : @cepv_photography
•
#pandemia #photo #photography #photographie #covid_19 #nikon #nyon @_focale #edition #reportage #document #documentary #documentaryphotography #twoyearscovid #photographe #free #project

APP 20-21
•
Abstract
Cette brique rouge, première pierre d’un projet d’une durée encore inconnue, transmet un souvenir de la pandémie de l’année 2020-2021.
À l’instar de grands classiques de la littérature comme
Le journal d’Anne Frank ou le travail de Nan Goldin
The Balade of Sexual Dependency, ce journal intime transformé en roman photographique relate un événement mondial par le biais de témoignages narrés par des textes et dépeints par les nombreux clichés de mes proches,
des bâtiments et des habitants composant la ville de Nyon. L’intégralité de ce que j’ai pu enregistrer a été créé dans l’espoir qu’il me survivra pour raconter notre histoire aux générations futures.
•
Exemplaire unique, tirage jet d’encre couleur et noir blanc, texte écrit à la main.
•
Merci à @lesrelieuses pour la structure de cette édition.
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Reproduction : @cepv_photography
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Abstract
Cette brique rouge, première pierre d’un projet d’une durée encore inconnue, transmet un souvenir de la pandémie de l’année 2020-2021.
À l’instar de grands classiques de la littérature comme
Le journal d’Anne Frank ou le travail de Nan Goldin
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des bâtiments et des habitants composant la ville de Nyon. L’intégralité de ce que j’ai pu enregistrer a été créé dans l’espoir qu’il me survivra pour raconter notre histoire aux générations futures.
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Cette brique rouge, première pierre d’un projet d’une durée encore inconnue, transmet un souvenir de la pandémie de l’année 2020-2021.
À l’instar de grands classiques de la littérature comme
Le journal d’Anne Frank ou le travail de Nan Goldin
The Balade of Sexual Dependency, ce journal intime transformé en roman photographique relate un événement mondial par le biais de témoignages narrés par des textes et dépeints par les nombreux clichés de mes proches,
des bâtiments et des habitants composant la ville de Nyon. L’intégralité de ce que j’ai pu enregistrer a été créé dans l’espoir qu’il me survivra pour raconter notre histoire aux générations futures.
•
Exemplaire unique, tirage jet d’encre couleur et noir blanc, texte écrit à la main.
•
Merci à @lesrelieuses pour la structure de cette édition.
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Abstract
Cette brique rouge, première pierre d’un projet d’une durée encore inconnue, transmet un souvenir de la pandémie de l’année 2020-2021.
À l’instar de grands classiques de la littérature comme
Le journal d’Anne Frank ou le travail de Nan Goldin
The Balade of Sexual Dependency, ce journal intime transformé en roman photographique relate un événement mondial par le biais de témoignages narrés par des textes et dépeints par les nombreux clichés de mes proches,
des bâtiments et des habitants composant la ville de Nyon. L’intégralité de ce que j’ai pu enregistrer a été créé dans l’espoir qu’il me survivra pour raconter notre histoire aux générations futures.
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Exemplaire unique, tirage jet d’encre couleur et noir blanc, texte écrit à la main.
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Merci à @lesrelieuses pour la structure de cette édition.
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Espace Bâti
•
Ferme de M.Garny
•
CFC 2021
•
#photography #photo #photographer #photoshoot #nikon #nikonphotography #farmer #farmerlife #farm #farmlife #johndeere #color #agriculture #elevage #art #archi #architecture #archiphotography #archiphoto #detailarchitecture #johndeerepower #johndeere #charpente #charpentier

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Ferme de M.Garny
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